La rétrospective révolutionnaire de Carlos Villa

Carlos Villa, “Self-Portrait (Tattoo Drawing)” (1971), photographie Itek à l’encre, 21 1/2 x 12 7/8 pouces, Oakland Museum of California Collection, don du Manuel Neri Trust (toutes les photos sont de l’auteur )

NEWARK — Theodore S. Gonzalves, directeur du Smithsonian’s Asian Pacific American Center et conservateur du National Museum of American History, a qualifié Carlos Villa de « plus important artiste visuel américain d’origine philippine de la seconde moitié du XXe siècle ». ” ” Pourtant l’exposition Carlos Villa : mondes en collisionqui a ouvert ses portes au Newark Museum of Art (NMOA) le 17 février et voyage en juin au Asian Art Museum de San Francisco, puis au San Francisco Art Institute (SFAI, où Villa avait étudié et enseigné), n’est pas seulement le première grande rétrospective muséale de l’artiste aux États-Unis, mais aussi la première jamais consacrée à un artiste philippin américain.

Au-delà de la Bay Area, où il est né et où il a pratiqué, enseigné et organisé «gestes artistiques«Pendant près d’un demi-siècle, et en dehors des générations de Philippins et d’autres artistes de couleur qu’il a influencés, Villa reste largement invisible dans l’histoire de l’art moderne et contemporain. Bien que ses œuvres figurent dans les collections du SFMOMA, du Oakland Museum, du Whitney Museum et d’ailleurs, elles sont rarement exposées dans (et plusieurs n’ont été acquises que récemment par) ces institutions.

Carlos Villa, extérieur «Painted Cloak» (1971), acrylique à l’aérographe sur toile non tendue avec plumes et doublure en taffetas, 62 x 130 x 8 pouces
Carlos Villa, intérieur «Painted Cloak» (1971), acrylique à l’aérographe sur toile non tendue avec plumes et doublure en taffetas, 62 x 130 x 8 pouces

En tant que Philippine basée sur la côte Est, j’ai vu le travail de Villa en personne pour la première fois au salon de Newark. Ce qui frappe le plus dans les pièces de l’exposition – les vêtements, les moulages corporels, les peintures mixtes et les éphémères d’actions artistiques – est leur sentiment de présence, même en l’absence.

Accroché à l’entrée de la galerie, « Painted Cloak » (1971) attire l’attention : une toile non tendue coupée en demi-cercle pour ressembler à des ailes déployées, sa surface est peinte à l’aérographe d’un motif enroulé hypnotique accentué par des touffes de plumes ; une doublure contrastante en taffetas bleu roi et violet porte des impressions des mains de l’artiste. Comme les moulages de « Pieds d’artiste » (1979-80) exposés à proximité, le vêtement est peut-être inhabité, mais il n’est pas inerte. Sa matérialité organique évoque une conscience viscérale, voire métaphysique. L’invention de Villa est pleinement exposée dans ce travail, mais elle n’a reçu l’attention voulue que ces dernières années. (Plus particulièrement, ses œuvres ont été incluses dans le Biennale de Singapour 2019 par le directeur artistique philippin Patrick Flores.)

“Painted Cloak” était la réponse de Villa à l’affirmation de son professeur Walt Kuhlman selon laquelle “Il n’y a pas d’histoire de l’art philippin.” Présentée parallèlement à l’exposition Villa est une installation connexe dans les galeries asiatiques d’art ethnographique océanique et philippin de la NMOA – fonctionnelle, cérémonielle, le genre d’art non européen que vous pouvait rencontre dans les institutions au milieu du XXe siècle. La conservatrice de la NMOA, Tricia Laughlin Bloom, postule même que Villa a peut-être vu ces objets dans l’exposition de 1967 Art des îles des mers du Sud alors qu’il vivait à New York.

Carlos Villa, « Pieds d’artiste » (1979-1980), pâte à papier et plumes, env. 7 x 5 x 15 pouces

Après un début de carrière en tant que minimaliste, le virage de Villa vers l’expression culturelle dans “Painted Cloak” et d’autres œuvres des années 1970 a été influencé par son étude de l’art océanien et africain pour combler la lacune de l’art philippin dans les récits historiques de l’art. Le retour à San Francisco à la suite de la Grèves du Front de libération du tiers mondevoyant la jeunesse noire et chinoise affirmer son propre style, et reconnaissant à quel point cette idée d’affirmation de soi était importante.

“Devenir” un artiste philippin américain signifiait se situer dans une lignée artistique issue de peuples archipélagiques pré-contact dont les réseaux commerciaux et culturels s’étendaient sur les continents asiatique et africain, mais cela signifiait également affronter les parties colonisées et hybridées de lui-même. Pour la série Mes oncles (1993-1996), Villa a construit des structures en bois de huit pieds de haut ressemblant à des portes, qu’il a utilisées pour encadrer des vignettes assemblées sur les «manongs». Manong est un titre honorifique qui fait référence aux hommes plus âgés, utilisé dans la région agraire d’Ilocos, d’où venaient de nombreux immigrants philippins du début du XXe siècle (y compris les parents de Villa).

Parmi les œuvres de la série figure “Mon père marchant dans la rue Kearny pour la première fois” (1995), qui présente un fedora gris au premier plan contre des tours de plumes noires s’éloignant dans le point focal d’une plaque de bronze miniature gravée du mot “désir”. Dans cette scène, l’immigrant poursuit un objet de désir lointain à travers la jungle urbaine menaçante. Des mots au pochoir évoquent la tension interne de l’immigrant : « ORIENT », « SILENCE », « LA DÉTESTATION DE SOI », « PRESSION », « PRESSION ».

Carlos Villa, « My Father Walking Up Kearny Street for the First Time » (1995), plumes, chapeau panama, plaque de bronze gravée, plexiglas avec lettrage en vinyle, gesso noir, sur porte encadrée, 90 x 43 x 5 pouces

Tout comme «Painted Cloak» manifestait l’artiste philippin américain pour Villa, les fedoras étaient des talismans vestimentaires pour les manongs, qui souhaitaient être reconnus en tant qu’Américains et les enfilaient après le travail dans les salles de danse. Les manongs s’étaient glissés par une porte brièvement ouverte sur les États-Unis: en tant que ressortissants américains sous la domination coloniale américaine, les Philippins étaient exemptés de l’interdiction de 1924 sur les immigrants asiatiques et comblaient les pénuries de main-d’œuvre qui en résultaient dans les industries de l’agriculture et de la pêche.

Au lieu de la liberté, ils ont trouvé leur vie circonscrite à des logements en chambre individuelle, comme le I-Hôtel, dans des enclaves ethniques comme Manilatown à San Francisco, bordées par les rues Kearny, Jackson, Sacramento et Montgomery. Mon propre grand-père – désillusionné par la Californie, où des panneaux comme « Chiens interdits et Pas de Philippins autorisés » étaient omniprésents – est retourné définitivement aux Philippines après que la loi Tydings-McDuffie de 1934 a inversé le statut des Philippins en « étrangers » et leur migration vers et depuis les États-Unis. .

Carlos Villa, « My Roots » (1970-1971), acrylique avec plumes sur toile non tendue, 91 1/2 x 93 1/4 pouces, Whitney Museum of American Art Collection, acheté avec les fonds du Neysa McMein Purchase Award

Villa a résisté à l’étiquette « politique » pour décrire son art. Cependant, ses «actions artistiques» interdisciplinaires étaient intrinsèquement politiques, enracinées et délibérément centrées sur des groupes marginalisés par l’establishment artistique et universitaire. Ceux-ci inclus Autres ressources (1976), qui corrige les récits absents des célébrations du bicentenaire américain ; Réhistoriciser le temps autour de l’expressionnisme abstrait dans la région de la baie de San Francisco, années 1950-1960, qui met en évidence les contributions négligées des femmes et des artistes de couleur au mouvement artistique titulaire; et Mondes en collision (1989-2001)une série d’expositions, de symposiums, de publications et d’autres projets résultant des conversations de Villa avec l’historienne de l’art féministe Moira Roth et la militante, universitaire et membre du corps professoral de la SFAI Angela Y. Davis sur le besoin de diversité et d’inclusion dans les musées et le milieu universitaire.

L’effacement de Villa des annales de l’histoire culturelle a tout à voir avec les complications et les divergences que son art a introduites dans le récit dominant, y compris un compte avec l’impérialisme américain et la suprématie blanche et l’élévation des actions artistiques – c’est-à-dire les engagements communautaires et collaborations autour de l’art, de la performance, etbourse de rue” – comme de l’art.

Alors que les artistes noirs, autochtones et autres de couleur réécrivent le canon pour restaurer des histoires exclues grâce à des pratiques artistiques socialement engagées, c’est un moment opportun pour (re)découvrir Villa. L’original Mondes en collision les symposiums ont été caractérisés par l’artiste chicana et universitaire Amalia Mesa-Bains comme « rétrospectifs et futuristes » ; Cette description s’applique également à la rétrospective de Villa. après tout, à présent C’est le moment où nous prenons en compte le passé et prenons des mesures pour faire avancer notre avenir collectif.

Éphémère de Autres ressources exposition (1976) et la première partie de l’exposition Mondes en collision symposium, “L’Agenda pour les années 1990” (avril 1989)

Carlos Villa : mondes en collision Continue au Newark Museum of Art (49 Washington Street, Newark, New Jersey) jusqu’au 8 mai. L’exposition a été organisée par le San Francisco Art Institute et l’Asian Art Museum, avec notamment les conservateurs Abby Chen, responsable de l’art contemporain au Asian Art Museum, Trisha Lagaso Goldberg (SFAI) et Mark D. Johnson (San Francisco State University).

L’exposition voyage au Asian Art Museum de San Francisco le 17 juin et au San Francisco Art Institute le 21 septembre.

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