Des abstractions qui enregistrent les cicatrices du traumatisme

Plus j’en apprends sur les artistes associés au mouvement Dansaekhwa qui a commencé à prospérer en Corée à la fin des années 1960, plus je me rends compte à quel point le travail est profondément indissociable de la lutte du pays pour la libération et l’indépendance. Si les artistes considérés comme centraux dans le mouvement ne sont pas à l’abri des critiques, notamment compte tenu des structures patriarcales régissant le pays, l’émergence de femmes artistes et poètes au cours des années 1980 en Corée suggère que des changements majeurs étaient en cours depuis longtemps. Dans le même temps, l’engagement de la Corée avec le modernisme et le postmodernisme a le plus souvent été vu à travers une lentille occidentale, généralement en juxtaposant des peintres monochromes coréens avec des minimalistes américains dans une galerie occidentale. Ces appariements ont tendance à se concentrer sur les similitudes et à aplanir les différences.

C’est une raison pour voir l’exposition Kwon Young-Woo : Gestes en Hanji à la Tina Kim Gallery (24 mars-30 avril 2022). L’autre raison est de voir la fraîcheur que Young-Woo a obtenue en travaillant avec des matériaux traditionnels coréens : le papier hanji et l’encre. Au lieu de s’inspirer de l’art informel, comme l’étaient un certain nombre d’artistes Dansaekhwa, ou de réinventer la peinture à l’encre coréenne, il s’est concentré sur la matérialité du papier hanji.

Je tiens à souligner cette caractéristique du travail de Young-Woo car elle signale son engagement à développer un art qui incarne la culture coréenne, tout en rompant avec l’histoire très vénérée de la peinture à l’encre et de la calligraphie, qu’il était l’un des rares artistes Dansaekhwa à avoir étudié. . Dans le même temps, les artistes Dansaekhwa s’intéressaient peu à la pensée formaliste de Clement Greenberg et au concept de faire de l’art sur l’art. L’idée d’accéder à un art pur n’a jamais été une considération sérieuse.

Kwon Young-Woo, “Untitled” (vers les années 1970), papier coréen, 28,35 x 18,5 pouces (image avec l’aimable autorisation de la succession de l’artiste et de la galerie Tina Kim)

Commençant par l’annexion de la Corée par le Japon en 1910, la lutte de libération du pays a duré jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale, pour la voir divisée en deux parties, qui sont devenues permanentes en 1948. En 1950, le chef de la Corée du Nord, Kim Il- chanté, déclencha la guerre de Corée (1950-53) en envahissant la Corée du Sud. Alors que la Corée du Sud s’est modernisée après le cessez-le-feu en 1953 et a finalement organisé des élections libres (à partir de 1987), la dévastation de la guerre et de la division a affecté la population des deux pays.

Plus de 20 œuvres sans titre réalisées entre les années 1970 et 2000 (et non classées chronologiquement) sont réparties dans les trois espaces d’exposition distincts de la galerie. Alors que certains spectateurs peuvent préférer une disposition chronologique, à partir de laquelle ils pourraient extraire un récit, j’étais heureux de revenir en arrière dans l’exposition et je n’ai pensé aux dates qu’incidemment. Une fois que Young-Woo a choisi le papier de mûrier comme matériau principal, parfois coupé, percé, déchiré et déchiré (tous des actes performatifs directs), l’idée de développement stylistique est devenue superflue. En coupant des rangées parallèles ou en perforant des trous qui explosent vers l’extérieur pour le spectateur, Young-Woo marque le papier de manière irréparable. Alors que certains auteurs ont tenté de compenser ce qu’ils perçoivent comme l’acte agressif de l’artiste en utilisant des mots comme « sérénité » pour décrire l’apparence, je pense que la lecture est trop réductrice.

Il me semble que Young-Woo blesse le papier, enregistre à la fois sa durabilité et ses dommages irréparables. Les coupures ne peuvent pas être « guéries » sans laisser de cicatrices. Lorsque l’encre bleu pâle saigne à travers le papier de mûrier, autour d’une crevaison, l’association avec les blessures est approfondie. Dans certaines œuvres, il est difficile de ne pas relier le papier au corps humain, la surface vierge sur laquelle le monde quotidien a laissé sa marque. Et pourtant, alors même que j’énonce cela, je me rends compte que le travail dépasse ces termes. C’est ce qu’il partage avec le grand artiste italien Alberto Burri, qui est une figure novatrice dans l’histoire de la peinture sans peinture et avec l’utilisation d’outils tels que des ciseaux, un marteau et une torche oxyacétylénique, pour enregistrer le traumatisme de la peinture. corps.

Kwon Young-Woo, “Untitled” (1985), gouache, encre de Chine sur papier coréen, 45,47 x 38,98 pouces (image avec l’aimable autorisation de la succession de l’artiste et de la galerie Tina Kim)

La nature viscérale du travail de Young-Woo est stratifiée et contradictoire, immaculée et robuste, douce et vulnérable. Dans “Sans titre” (1985, gouache, encre de Chine sur papier coréen, 45,47 sur 39,98 pouces), la base d’un triangle obtus bleu de forme irrégulière commence dans le coin supérieur gauche et s’étend jusqu’en bas à droite. Remplissant la zone diagonale supérieure du papier, le nuage est marqué par des rangées de lignes parallèles descendant en diagonale, du coin supérieur droit au coin inférieur gauche. L’encre bleue s’étend au-delà des coupes diagonales. La forme triangulaire bleue devient un nuage de pluie, tandis que les coupes diagonales, à travers lesquelles le bleu saigne, sont des lignes de pluie gonflées.

En liant un nuage bleu, de la pluie et des cicatrices, Young-Woo présente au spectateur un sens plus profond de la réalité que la nature continue, peu importe ce que les humains se font les uns aux autres. Cela ne diminue pas la souffrance humaine, mais la regarde dans une perspective plus large, que nous pouvons ou non trouver réconfortante. Je pense que c’est l’une des réalisations majeures de l’artiste. Il n’y a pas de héros dans son œuvre.

Dans l’abstraction en couches “Untitled” (vers les années 1980, papier coréen, 64,58 sur 47,64 pouces), Young-Woo perce le papier de centaines de trous. Si nous regardons dans les trous, nous voyons la feuille de papier sans tache sur laquelle la feuille perforée a été uniformément collée. Difficile de ne pas les lire comme des impacts de balles, dont les projectiles sont dirigés vers nous. Nous sommes aussi imprudents et sensibles que le papier. Et pourtant, comme dans les autres travaux que j’ai décrits, je ne pense pas que ce soit la seule lecture. Il y a aussi le témoignage du journal sur la survie, ainsi que le sentiment que quelque chose a traversé ce mur, peut-être atteindre la liberté.

Kwon Young-Woo, “Untitled” (vers les années 1980), papier coréen, 63,58 x 47,64 pouces (image avec l’aimable autorisation de la succession de l’artiste et de la galerie Kukje. Crédit photo : Chunho Ahn)

Young-Woo a marqué un certain nombre d’œuvres d’un sceau rouge comme signature. Cette méthode traditionnelle de signature d’un document important souligne son allégeance à l’histoire de la peinture à l’encre et de la calligraphie coréennes, et attire l’attention sur les changements qu’il a apportés à cet héritage très vénéré.

Au début de ce siècle, Young-Woo a élargi ses méthodes et ses applications, comme il l’a fait à plusieurs reprises au cours de sa carrière. En contrepoint de son travail antérieur, où le “décollage” (décollage) est sa méthode principale, il a commencé à coller des feuilles de papier sur des toiles non blanchies, comme dans “Untitled” (vers les années 2000, papier coréen sur toile, 46,06 sur 35,83 pouces) et “Untitled” (2002, papier coréen sur toile, 51,18 par 51,18 pouces).

Dans le premier, Young-Woo a empilé six formes découpées sombres et claires sur une toile brune non blanchie, en commençant par le blanc. Alors que les formes blanches sont unies, les formes brunes font écho à la couleur de la toile. C’est comme si le papier était suffisamment poreux pour laisser passer la toile. Apposée sur la toile, la pile peut être lue comme des rochers dans un paysage, une des premières manières humaines de fabriquer un marqueur. Ce que cela peut signifier dépend du spectateur.

Kwon Young-Woo, “Untitled” (2002), papier coréen sur toile, 51,18 x 51,18 pouces (image avec l’aimable autorisation de la succession de l’artiste et de la galerie Kukje. Crédit photo : Chunho Ahn)

Dans le second, une grande forme en forme de beignet se trouve dans les limites de la place. Young-Woo a placé une autre forme ouverte unique dans la grande ouverture du beignet. Cette forme asymétrique a également un trou. Les formes peuvent être lues comme organiques, la composition comme à la fois des formes dans des formes (suggérant l’infini) et une relation figure-fond dans laquelle l’espace positif et négatif jouent un rôle égal.

Au début de l’exposition, dans le hall avant le premier espace de la galerie, se trouve une vitrine contenant certains des outils de Young-Woo. Ils comprennent des pinceaux coréens traditionnels et des objets qu’il a fabriqués pour déchirer le papier. Il élargit une forme traditionnelle, en faisant une réponse à sa réalité quotidienne et au sens de la violence de l’histoire sans recourir à l’anecdote ou au récit. Dans le même temps, son utilisation du papier de mûrier souligne sa détermination à créer un art indissociable de la culture et de l’histoire coréennes, passées et présentes. Cette combinaison innovante devrait nous rappeler les périls et l’impulsion capitaliste derrière le fait de voir le travail de Young-Woo à travers le prisme de l’art occidental.

Kwon Young-Woo : Gestes en Hanji Continue à la Tina Kim Gallery (525 West 21st Street, Chelsea, Manhattan) jusqu’au 30 avril. L’exposition a été organisée par la galerie.

Leave a Comment