Un spectacle de Carmen Winant consacré à la survie et à l’autonomisation

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regarde ça

Carmen Winant est une photographe qui prend rarement des photos. Au lieu de cela, elle les extrait de brochures et de papiers et installe ses découvertes de manière bouleversante – pour “My Birth” (2018), elle a enregistré 2 000 images d’accouchement sur les murs du Museum of Modern Art, exigeant un calcul de la façon dont la culture a encadré et censuré une expérience qui est au cœur de la vie de la plupart des femmes. Pour l’exposition personnelle qui s’ouvre cette semaine dans sa ville natale de Philadelphie au Print Center, l’artiste basée à Columbus, dans l’Ohio, a fouillé dans les archives de deux organisations qui soutiennent les personnes touchées par la violence domestique : Coalition nationale contre la violence domestique et Femmes en transition. Winant s’est préparée à des preuves photographiques de violence; Au lieu de cela, elle a dû faire face à des piles de documents conçus pour autonomiser les survivants. Les pièces résultantes comprennent une grille photo de des femmes plongées dans le travail, que Winant a trouvées sur des cartes distribuées à ceux qui cherchaient à subvenir à leurs besoins dans une nouvelle carrière ; des copies d’un schéma de « contrôle du pouvoir » donné par les travailleurs sociaux pour aider à identifier les abus ; et des images de T-shirts décorés par des survivants, avec des affirmations à la peinture gonflée comme “J’étais dans une boîte de douleur !! Mais maintenant je suis libre !!” “Il y a de l’agonie dans l’exposition, mais il y a tellement de matériel qui affirme la vie”, dit Winant. “Je n’aurais pas pu continuer si cela n’en faisait pas partie.” “A Brand New End: Survival and Its Pictures » est présenté du 15 avril au 16 juillet au Print Center de Philadelphie, printcenter.org.


Lorsque la pandémie a frappé, le designer new-yorkais Phillip Lim a pris une année entière de congé de la production de sa ligne de vêtements pour hommes. Ce qui a commencé comme un besoin logistique est devenu une opportunité de reconsidérer cet élément de son entreprise et, finalement, de sortir du calendrier implacable de la mode et du cycle des tendances pour la première fois depuis la création de sa ligne éponyme en 2005. L’été dernier, Lim a présenté “kits », des collections capsules de pièces destinées à être mélangées et assorties comme des garde-robes totales à elles-mêmes ; les gouttes “disent tout dans un rack”, comme le dit Lim. Pour le kit 3, sorti cette semaine, il propose une palette de neutres calmes avec des détails ludiques : les chemises à col Nehru, les polos à demi-zip et les pantalons fuselés avec ceintures intégrées sont intelligents pour la prochaine itération d’un bureau, mais sont loin d’être basique. Ses porteurs ont toujours « existé entre le streetwear et la couture formelle », explique Lim, et son objectif est de faciliter un peu la vie des hommes élégants en proposant des coupes familières saison après saison, avec de nouveaux détails et couleurs pour de nouvelles combinaisons. Lui et ses clients sont satisfaits du pivot jusqu’à présent. “Ils sont accros,” dit le designer. À partir de 175 $, 31philliplim.com.


lis ça

De temps en temps, les gens aiment polémiquer sur la mort des magazines, dernier souvenir de la décadence d’une industrie de l’édition en berne. Malgré de telles prédictions de malheur, une surabondance de périodiques nouveaux ou rafraîchis est apparue dans le paysage littéraire qui sont souvent, finalement, dirigés par des femmes. Il y a Emily Stocks Revue parisiennequi annonçait sa nouvelle ère avec une refonte du book designer Na Kim et une couverture de l’artiste anglais Rose Willy (son numéro de printemps présente le travail du peintre écossais Andrew Cranston, ci-dessus). Il y a deux ans, Rebecca Panovka et Kiara Barrow lançaient La dérivetandis que ce mois-ci, Aliza Abarbanel et Tanya Bush feront leurs débuts Gâteau Zine, un examen sensuel de la culture pop, de l’histoire, de la littérature et de l’art à travers le prisme du dessert. Cependant, l’entrant le plus frappant sur l’étagère est peut-être Astra, dehors maintenant. Avec son premier numéro sur le thème de l’idée de extase – ecstasy – ses pages incluent des œuvres de fiction et de non-fiction d’Ottessa Moshfegh, Mieko Kawakami, Solmaz Sharif, Catherine Lacey, Leslie Jamison et bien d’autres. Imprimé à rabats français et en quadrichromie, Astra plaide pour raviver le plaisir de s’adonner à la littérature tout en tenant un objet de belle facture. “Ce n’est pas facile de trouver l’extase en ce moment”, écrit la rédactrice en chef d’Astra, Nadja Spiegelman. “Mais c’est crucial.”


convoite ça

L’esthétique des bijoux en chaîne boule peut passer du punk au prim, comme avec un collier de perles. Plusieurs créateurs ont joué avec la dichotomie avec leurs collections printemps 2022, utilisant le motif pour faire des vêtements classiques énervés et des vêtements énervés carrément fétichistes. Lors du défilé Gucci, les mannequins du directeur créatif Alessandro Michele ont défilé sur Hollywood Boulevard à Los Angeles portant des looks en latex et en dentelle accompagnés de pendentifs en chaîne boule qui, au deuxième coup d’œil, se sont révélés être de véritables jouets sexuels, tandis que pour sa ligne homonyme, Junya Watanabe accentuait les corsages féminins à imprimé floral avec des sphères noires et dorées portées autour du cou. Pour son style preppy chez Miu Miu, Miuccia Prada a associé des pulls en maille torsadée ou des chemises boutonnées – et deux fois, un “haut” composé uniquement d’un soutien-gorge basique – avec des colliers parsemés de perles ressemblant à des perles de la taille de balles de golf . L’itération la plus portable vient peut-être de la créatrice de bijoux basée à Los Angeles Sophie Buhai, dont le collier Perriand est proposé avec des perles de métal ou de pierres semi-précieuses comme l’onyx ou le lapis. Il a été nommé d’après le collier signature de l’architecte et designer française Charlotte Perriand, qui a appelé l’accessoire “un symbole de mon adhésion à l’ère de la machine du XXe siècle”, ajoutant : “J’étais fière que mes bijoux ne rivalisent pas avec ceux de La reine d’Angleterre.”

Un aspect surprenant de l’effacement culturel est qu’il peut se produire à la vue de tous. Considérez María Sol Escobar, connue sous le nom de Marisol, qui a acquis une renommée internationale dans les années 1960 pour ses sculptures sur bois et ses assemblages sculpturaux – y compris des représentations intelligentes de la famille Kennedy et de la famille royale britannique – avant de disparaître dans une relative obscurité avant sa mort en 2016. « Marisol et Warhol Take New York », au Pérez Art Museum Miami, aide à réinitialiser le record en présentant certaines des œuvres les plus frappantes de l’artiste vénézuélienne née à Paris, qui combinaient des thèmes Pop Art avec des sensibilités folkloriques précolombiennes, en conversation avec celles d’elle. ami proche Andy Warhol, qui l’appelait “la première fille artiste glamour”. La rétrospective, organisée à l’origine par Jessica Beck au Andy Warhol Museum de Pittsburgh, s’intéresse moins à conférer la primauté qu’à établir leur contemporanéité et leur influence mutuelle : « The Party », une installation de 15 autoportraits sculpturaux de Marisol, est placée directement dans devant le papier peint vache de Warhol, un clin d’œil au fait que les deux ont fait leurs débuts en avril 1966. En 1968, Marisol a quitté New York pour l’Europe – une décision que certains ont interprétée comme un rejet de son succès, bien qu’elle ait continué à faire de l’art. Pour Maritza Lacayo, conservatrice adjointe au Pérez, il n’y a pas d’explication évidente : « Je pense [when] le monde exigeait un peu trop d’elle, ou les choses ne correspondaient pas à ce qu’elle voulait, elle irait simplement ailleurs. “Marisol and Warhol Take New York” est à l’affiche du 15 avril au 9 septembre. 5 au Perez Art Museum Miami, pamm.org.


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