Joe Bradley recommence

Joe Bradley organise des expositions personnelles dans des galeries new-yorkaises depuis 2003. Mais sa dernière chez Petzel – sa première en six ans – ressemble à la première exposition du reste de sa carrière.

Ses nouvelles peintures sont des œuvres aux couleurs vives qui s’équilibrent avec grâce entre représentation et abstraction. Ils sont peut-être les plus conventionnels de la carrière de Bradley, mais ils sont aussi les plus engageants.

Bradley a consacré la première décennie de son CV à ce qu’on pourrait appeler des peintures ironiques et anti-peinture. Ils étaient post-conceptuels et stimulants : vous deviez décider s’ils étaient qualifiés de peintures. La meilleure de ces œuvres minimales était une série d’énormes toiles brutes qui arboraient un seul motif souligné au crayon à l’huile noir. Bien que monumentaux, ils avaient l’intimité des griffonnages et étaient dessinés d’un coup sans ajustements, ce qui était impressionnant.

Vient ensuite une phase de transition au cours de laquelle Bradley commence à appliquer de la peinture avec un pinceau large sur des toiles sales dont les empreintes de pas et les gouttes de peinture font partie de la composition. Ceux-ci étaient rugueux et magnifiquement mis à l’échelle. Mais le jeu de l’intention contre l’accident était familier, quelque part entre Julian Schnabel et l’expressionnisme abstrait.

Ce n’est pas par hasard que la trajectoire de Bradley s’est accélérée : en 2011, il quitte le Canada, après trois solos, pour l’entreprise de Gavin Brown et trois autres. En 2016, il rejoint Gagosian, un sommet du succès qui n’est pas connu pour gérer avec soin les jeunes artistes. Après un spectacle à New York et trois ailleurs, il est parti en 2021.

Maintenant, Bradley ne fait que des peintures, conscient de lui-même, drôle mais non ironique. Il couvre la majeure partie de la toile, travaillant avec un pinceau plus étroit, ce qui élimine les grands gestes et vous rapproche de la surface. Les couleurs sont d’égale chaleur ; des lignes blanches les traversent, créant des formes, séparant les zones en larges patchworks qui incluent des profils montagneux ou des suggestions de champs plats. Cela se produit le plus poétiquement dans “Jubilee”, où trois champs de verts différents et deux montagnes vacillent entre le plat et le profond.

Maintenant, il y a beaucoup d’ajustements; souvent il brosse une couleur sur une autre, ou ajoute des grappes de points à telle ou telle forme. Il y a un désintérêt marqué à fermer quoi que ce soit; des aperçus de ce qui est en dessous sont activement présents.

L’histoire de l’art est évoquée obliquement. Vers le centre de « Fool’s Errand », un rectangle de bleu foncé éclairé par quelques points blancs flotte au-dessus d’un champ de rouge ; c’est un Money in a box.

Le centre de “Cameo” est une escarmouche de jaune vif, de coups et de points en rouge et de deux lignes noires. Le champ de bataille est une paire de grandes croix qui se chevauchent, noires et rouges, des versions amplifiées de celles du constructiviste russe Kazimir Malevitch. Ailleurs, des motifs semblent s’être matérialisés dans le processus, comme la suggestion d’un visage brun couronné de laurier et la tranche de pizza dans “Outline”.

Ce spectacle s’intitule “Bhoga Marga”, que Bradley traduit du sanskrit par “le chemin durable de l’expérience”. La question qui plane au-dessus de nos têtes n’est pas « Est-ce une peinture ? mais “Comment ce tableau a-t-il été fait?” La réponse est claire : l’artiste l’a inventé au fur et à mesure, point par point, dans un circuit continu de regarder et de penser (ou de sentir) et de faire. Il suffit d’ouvrir les yeux pour revenir sur ses pas.

Joe Bradley : Bhoga Marga

Jusqu’au 30 avril à Petzel, 456 West 18th Street, Manhattan ; (212) 680-9467, petzel.com.

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