La galerie David Kordansky représente désormais Guan Xiao – ARTnews.com

Avant l’ouverture de son premier avant-poste à New York, la société basée à Los Angeles Galerie David Kordansky envisage d’étendre sa présence en Asie.

Artiste multimédia basé à Pékin Guan Xiao est maintenant représenté par le pilier de Los Angeles, rejoignant une liste qui comprend Derek Fordjour et Lauren Halsey. Guan, qui aura une exposition personnelle à l’avant-poste de Kordansky à New York en 2023, continuera d’être représenté par Antenna Space en Asie et Kraupa-Tuskany Zeidler en Allemagne. La galerie a également nommé Junjun Cai en tant que nouveau directeur, basé en Chine continentale. Elle rejoint Mi Jeong Kim, qui représente la galerie dans la région depuis 2019.

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Guan travaille dans la vidéo, la sculpture et l’installation, s’approvisionnant en matériel en ligne pour tirer un sens des expériences de sa vie quotidienne. On l’a qualifiée d’artiste « post-Internet », mais le terme a un côté cynique qui ne correspond absolument pas à la curiosité qu’elle a pour la relation entre l’individuel, le collectif et l’objet, à la fois naturel et industriel. Son travail semble demander, quelles notions modernes sont vraiment des traditions passées sous une nouvelle couche de peinture ? Les objets changent-ils lorsqu’ils sont vus ou touchés ? Est-ce que nous?

Guan Xiao, « Dengue, Dengue, Dengue », 2017, vidéo à trois canaux, couleur, son.

Guan Xiao, « Dengue, Dengue, Dengue », 2017, vidéo à trois canaux, couleur, son.
Avec l’aimable autorisation de l’artiste, David Kordansky Gallery, Antenna Space et Kraupa-Tuskany Zeidler

Son travail est très narratif, et les vidéos qu’elle réalise, en particulier, reflètent une vie hyper-en ligne et hyper-globale comme un assaut incessant d’informations. Guan demande parfois beaucoup au spectateur, mais seulement parce qu’elle se consacre entièrement à l’acte de regarder. Elle est une observatrice implacable, mâchant les implications de quantités massives de données : elle taquine des liens convaincants entre un éventail incroyable de matériaux, comme l’histoire de l’art occidental, le capitalisme, la sculpture chinoise ancienne, le jazz et la technologie de surveillance.

Elle laisse également la place au spectateur de projeter ses propres histoires sur son art. Une exposition solo de 2020 à Antenna Space a présenté quelque 15 sculptures de tous les êtres auxquels ont été attribuées des biographies fantastiques d’opacité variable, les libérant pour devenir des monuments sans histoire fixe.

Pour en savoir plus sur sa pratique, ARTnews parlé avec Guan par e-mail. Les réponses de l’artiste ont été traduites du chinois.

Pouvez-vous me guider dans la création d’une de vos œuvres ? Comment décidez-vous qu’une œuvre est intéressante ?

Chaque pièce de mon travail me laisse des impressions profondes. Parce qu’ils sont tous différents dans leur structure, leurs modes d’association et leur matériel. La pratique artistique, c’est la parade nuptiale, où l’on espère trouver la plus adaptée, ou penser que votre partenaire actuel contrairement à vous sait mieux que votre ex, ou encore, le papillon que vous aviez pour votre premier amour en était le sommet. La pratique artistique n’est pas une sorte d’expérience de vie mais quelque chose de rigoureux et d’inspirant. Chaque pièce existe pour une raison unique et quelque chose à communiquer avec les autres, et sa fabrication est toujours un défi méconnu.

Le moment le plus excitant pour moi est probablement celui où toutes les pièces se matérialisent à partir de mes croquis, qui sont ensuite assemblés au studio. Leur dimension physique et leur perception visuelle diffèrent souvent de leurs conceptions initiales dans mes dessins. Une telle différence peut être très stimulante car leur résultat dépasse mes attentes et me subjugue. Et d’autres fois, ils ne fonctionnent pas du tout. Comme toutes les pièces sont produites, je ne peux plus modifier leurs formes.

Si l’écart entre mon croquis et les objets réels submerge ou devient non négociable, j’abandonnerais mon croquis initial et j’essaierais d’ajuster la structure de la sculpture, ou d’utiliser tout ce que j’ai pour recommencer. Ce processus me fascine toujours.

Une pièce intéressante doit être ludique, y compris des aspects que j’aimerais expérimenter. Cela devrait procurer l’excitation d’un enfant qui a hâte de mettre la main sur ces jouets, de les utiliser, de les comprendre et de voir ce qu’ils deviendraient entre leurs mains.

Comment avez-vous vu votre pratique évoluer ?

Au début, j’étais intrigué par la diversité et la tension de combiner des choses de différents matériaux. Plus leur différence est grande, plus ils génèrent d’impact ; Autrement dit, la « dissonance » entre ces matériaux délivre une nouvelle cohérence. Conceptuellement, j’ai toujours été intéressé par la notion de dichotomie. Depuis 2013, j’ai adopté le collage/montage pour créer des sculptures et des vidéos. Travailler sur différents médiums artistiques, utiliser divers matériaux et construire des structures complexes qui dissolvent les questions de “Qu’est-ce que c’est?” et pourquoi?” libérant ainsi l’esthétique des concepts.

En préparation de mon solo muséal en 2018 [at the Kunsthalle Winterthur in Switzerland], j’ai commencé à étendre le concept de « ready-made » des produits matériels aux images numériques, en analysant les implications formelles des objets à partir de leur matériau, de leur dimension et de leurs fonctions dans la vie réelle ; par conséquent, une telle relation devient un paramètre ajustable. La vulgarisation de l’impression 3D m’a aidé à exécuter cette approche. Une fois mon exposition personnelle ouverte au Bonner Kunstverein début 2019, j’ai réalisé que je ne voulais pas m’attarder sur l’ambivalence et la complexité de la structure sculpturale au lieu de me concentrer sur la délivrance d’une expression puissante. Par conséquent, compte tenu des matériaux que j’utilise et de ma méthode de travail, j’ai commencé à intégrer ma compréhension de la structure sculpturale au corps humain et au design de mode, à présenter de multiples possibilités au sein d’une même structure et à invoquer le concept de personnage. En termes de matériaux, j’ai ajouté de la céramique et des plantes pour enrichir la tension au sein d’une pièce spécifique. Je travaille toujours dans ces deux directions.

En parlant de votre travail, vous avez dit un jour que “le temps n’est pas linéaire”. Pouvez-vous développer cette idée et ce que cela signifie pour votre art ?

J’ai toujours été sceptique sur tout ce qui m’entoure. Il semble que le temps ne soit que “l’une” des nombreuses logiques que nous utilisons pour expliquer le monde phénoménal. C’est une explication. Parce que nous sommes convaincus de la causalité des actions et des effets, tout devient séquentiel et linéaire. Mais en réalité, tout est transitoire. Un son peut sembler ininterrompu, mais les ondes sonores le montrent disparaître et réapparaître constamment. Une lumière peut apparaître brillante de manière constante, mais une caméra à grande vitesse la capturant montre sa luminosité ondulante. Afin de préserver tout ce qui est éphémère, nous avons tendance à utiliser le « temps » pour enchaîner tous les fragments comme preuve de leur existence. De plus, nous concevons obstinément que tout le monde vit dans le même genre de temps ! Pourtant, c’est le contraire qui est vrai, car chaque espèce vit à un rythme/vitesse et dans un monde différents. Chaque chose est constituée de facteurs infinis et associés les uns aux autres.

Dans ma pratique artistique, je privilégie les expressions fragmentées qui remettent en question ce que nous tenons pour acquis. En utilisant simultanément des objets conceptuellement contradictoires, je peux atteindre un certain équilibre. Je pense que toutes les choses considérées comme contradictoires partagent des caractéristiques communes d’une manière ou d’une autre. Par exemple, traditionnel/ancien et pionnier/technologique sont incompréhensibles et extraordinaires d’un point de vue particulier. La transformation mutuelle entre les contradictions se réalise dans cette perspective spécifique. Un autre exemple serait fabriqué à la main et fabriqué à la machine, qui sont tous deux considérés comme synonymes de forme brute de l’un ou l’autre point de vue; en même temps, l’un transforme l’autre. Par exemple, quand j’ai nommé mon travail, j’ai inventé le « nom » : KIKACHICK. Il incarne divers points contradictoires qui s’expliquent également d’eux-mêmes. En tant que mot, il n’a aucun sens. Cependant, dans sa première moitié, KIKA est à la fois un nom espagnol et une marque de chocolat, et c’est aussi le nom du personnage principal dans un film d’assassin. La seconde moitié, CHICK, est un oiseau infantile et un argot pour les filles et les femmes. Les mettre ensemble ressemble au nom d’une personne que personne n’utilise probablement. Cela ressemble à la prononciation d’un nom japonais, mais ce n’est évidemment pas du japonais non plus.

Guan Xiao, « Documentaire sur l'agriculture : Rassemblement », 2019.

Guan Xiao, « Documentaire sur l’agriculture : Rassemblement », 2019.
Avec l’aimable autorisation de l’artiste, David Kordansky Gallery, Antenna Space et Kraupa-Tuskany Zeidler

Tant de vos œuvres juxtaposent des images disparates, des vidéos, des images, des personnes, parfois à l’effet d’une surcharge sensorielle. Quelle est la logique qui relie ces médias apparemment sans rapport ?

J’aime m’arrêter soudainement au milieu de quelque chose et interrompre ce que je fais. J’aime la pause dans le processus. Je peux sentir les feuilles bouger dans mes yeux pendant que je les regarde, tandis que mes mains sentent le bord dur ou même la température de la surface de la roche. Je suis assis dessus, tandis que le parfum des fleurs d’été passe avec le vent. Soudain, une volée d’oiseaux vole au-dessus des buissons que je regarde, une balle roule de loin jusqu’à mes pieds et une moto bruyante passe plus loin. Je pourrais continuer à écrire comme ça, tout cela pourrait avoir lieu simultanément mais ce sont des incidents entièrement isolés ! Même dans la mesure où mes perceptions visuelles et mon sens du toucher sont divisés, renvoyant des signaux disparates.

C’est la réalité dans laquelle nous sommes, où toutes choses sont interconnectées, à travers votre perception.

Parlez-moi du concept d’identité dans vos sculptures et installations. Ces œuvres sont-elles des reflets de vous, ou des êtres totalement nouveaux et fantastiques ?

Depuis la première fois j’ai participé à une exposition collective dans un musée d’art européen [“Don’t You Know Who I Am? Art After Identity Politics” at M HKA Museum of Contemporary Art in Antwerp, Belgium, in 2014], j’ai souvent été interrogé sur mon identité. Honnêtement, je ne pense pas qu’il soit nécessaire de faire une telle classification en tant qu’êtres humains. Je ne m’intéresse pas à l’aspect politique de l’identité. Cependant, je fais ma pratique dans une perspective historique de l’art pour comprendre la spécificité de l’art contemporain chinois dans un cadre plus large. A la base de la création artistique, l’Orient et l’Occident anciens ont des origines différentes. De plus, la continuité historique de l’art de l’ancien au moderne et au contemporain en Occident est différente de celle du contexte chinois. Je pense que ces différences viennent des ruptures et variations de ce dernier d’un passé introuvable et discontinu, qui incarnent ma position. Je n’ai jamais poursuivi ce qui est raisonnable dans la création artistique.

Ma pratique n’a jamais porté sur l’identité mais traite explicitement de la sculpture, des structures, des matériaux et de l’abstraction liés au développement et aux défis du collage. On découvrirait sans doute ma compréhension de l’identité à partir de mon travail. Ce qui m’intéresse, c’est la multiplicité, la contradiction, la dichotomie, l’ambiguïté et le ni/ni de l’identité humaine. Je préfère donc la notion de « personnages » plutôt que « d’identité ». En même temps, l’idée de « rôles » n’est qu’un concept parmi tant d’autres dans mon travail sculptural.

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