Eh bien mariner mes noix! Le prix Vasseur des artistes baltes 2022 – bilan | De l’art

Ple chatouillement n’est généralement pas considéré comme une forme d’art. Mais deux des trois artistes du prix Vasseur Baltic sont des artistes de la fermentation : Ima-Abasi Okon explorer les avantages probiotiques de la fermentation et Fernando García-Dory pour mettre en valeur les compétences de décapage d’une entreprise d’intérêt communautaire locale. Le tas de ragoût de queue de bœuf déshydraté et emballé sous vide d’Okon avec bonnet écossais, ashwagandha, crinière de lion et tulsi est empilé sur une chaise en rotin, tandis que des pots de produits du Pickle Palace tapissent les structures en bois de l’installation de García-Dory.

Vraisemblablement, le décapage n’a pas été une priorité pour les artistes car visuellement, il n’a pas beaucoup de punch. Certes, la pile assise d’Okon est un morceau de chair et de tripes intrigant, juteux et viscéral, mais les bocaux de García-Dory rappellent un week-end autour de Sainsbury’s. Le prix Vasseur des artistes baltes – un prix biennal de 25 000 £ (plus 5 000 £ de frais d’artiste) offert à trois artistes émergents, jugés par trois autres artistes – déborde d’idées. Des idées merveilleuses et provocatrices qui remettent en question comment la culture et la nature se croisent, comment la terre peut unir les communautés, comment la vie peut être préservée. C’est intéressant, mais ce n’est pas saisissant.

Oeuvre de Fernando García-Dory. Photographie : Rob Harris

Cependant, intéressant est toujours un mot important lors de la visualisation de l’art. García-Dory fait un travail remarquable en nous présentant une ferme du Lake District qui a recherché des moyens de se diversifier et d’éduquer; une université de la voile des arts interdisciplinaires qui a défié les sites urbains habituels de la production artistique ; et les Freemen qui protègent le Town Moor, une zone de verdure au centre de Newcastle upon Tyne.

En 2009, García-Dory a créé Intérieur, un collectif dédié à la production agricole, sociale et culturelle où la création d’expositions est aussi importante que la fabrication du fromage. Selon, la présentation de l’artiste est un musée d’organisations qui utilisent le making pour interagir avec le monde naturel et construire une communauté. Les étagères contiennent des pains de savon provenant d’une ferme du nord de l’Angleterre, des abat-jour tricotés d’une création locale et des illustrations botaniques du naturaliste John Hancock. A côté, il y a des photographies de moutons paissant dans le centre de Madrid, un bus qui se double d’une galerie d’art et le théâtre mobile de Federico García Lorca. Malgré cela, je n’arrive toujours pas à me débarrasser de la sensation d’être dans une boutique minimaliste branchée.

En revanche, Okon a un grand espace vide. Vide mais pour les certificats d’artiste en hygiène alimentaire, manipulation manuelle et sensibilisation aux allergies alimentaires, la licence musicale pour sa pièce sonore et la basse qui fait trembler les os émanant d’un Haut-parleur Leslie dans la pièce suivante. La documentation permet à l’artiste de servir la queue de bœuf susmentionnée comme nourriture et de jouer une piste audio vissée.

Attirés par les rythmes accélérés, nous entrons dans le deuxième espace d’Okon, où la chaise pivotante en rotin empilée avec de la queue de bœuf fait face au haut-parleur en bois dur décoratif. Il y a des traces de personnes invisibles partout : les certificats de travail dans la première pièce vide, la chaise comme si quelqu’un était soudainement sorti, les cartes de titre qui se lisent comme des transcriptions silencieuses. Okon avait fait des recherches sur les méthodes de soins palliatifs et les figures fantomatiques me font penser à mon propre cocon charnu et à ses capacités de fermentation une fois que je disparais moi aussi.

Œuvre d'Ima-Abasi Okon, 2018.
Œuvre d’Ima-Abasi Okon, 2018. Photographie : © Ima-Abasi Okon. Courtoisie de l’artiste.

Parfois, cependant, j’ai envie d’être écrasé par une œuvre d’art, frappé sur la tête si fort que mes yeux sont grands ouverts et que mon cerveau est silencieux, ce qui est exactement ce qui se passe en présence de Laleh Khorramiandans l’espace final. D’énormes pans de tissu se dressent, superposés d’imprimés et de matériaux et dansant avec la couleur. Des caissons lumineux étroits perforés de filtres vibrants glissent à travers le mur et une impression translucide géante crée un vitrail. Intitulée Fontanelle, d’après le doux espace dans le crâne d’un nouveau-né, la grande impression monotype est placée sur ce qui était autrefois un mur du fond et a été retirée pour révéler une fenêtre. Khorramian crée des monotypes en appliquant de la peinture à l’huile sur du polypropylène ou du verre et en la transférant sur du papier. L’effet est organique et surprenant, produisant un kaléidoscope de formes inconnues.

Pendant la pandémie, Khorramian a fabriqué des milliers de masques pour les personnes dans le besoin et les restes de tissu grimpent sur ses tapisseries comme des épines. Et, avec des noms comme Glass Person, Jag Lady et Totem of a Deity, ses bannières du sol au plafond se transforment en individus vénérés dans un temple de la renommée futuriste où nos héros recyclent et portent des robes. Finalement, Khorramian apparaît et m’offre un morceau de chocolat noir. C’était peut-être le monde post-Covid dont je rêvais.

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