Transformation et rêves dans les travaux ultérieurs de Dorothea Tanning

N’a past la peinture dit-elle tout ? – une rare rétrospective des peintures de mi-carrière de Dorothea Tanning, exposée à la Kasmin Gallery – met en scène la rupture brutale de l’artiste américaine avec le surréalisme ouvertement figuratif de ses premières années.

Ou alors il semble sur un premier visionnement. En regardant plus attentivement, les spectateurs familiers avec les œuvres emblématiques antérieures de Tanning peuvent trouver ces grandes œuvres semi-abstraites/semi-figuratives peintes de manière épaisse – couvrant principalement le milieu des années 1950 jusqu’aux années 1980 – pour partager des thèmes avec les paysages de rêve lissome et les fantasmes méticuleusement rendus du années 1940 et début des années 1950 qui ont établi la réputation de Tanning, comme l’autoportrait largement exposé, et encore plus largement reproduit.Anniversaire(1942).

Dans cet autoportrait révolutionnaire, l’artiste pose dans un jupon violet déboutonné et une robe à plusieurs niveaux faite de branches d’arbre pointues entrelacées, accueillant un visiteur invisible. Elle tient ouverte une porte qui dirige l’attention du spectateur vers des perspectives fuyantes sur d’autres portes. Près des pieds nus de Tanning sur le palier en bois se trouve un griffon ailé, symbolisant la maison de l’artiste comme lieu de métamorphose, ce lieu où la peinture est un véhicule de fantaisie même au milieu d’un espace de travail élimé.

En revanche, et conformément au titre de l’exposition en cours — inspiré des remarques de Tanning sur son travail — les peintures de N’a past la peinture dit tout? refuser de raconter des histoires à la manière de pièces antérieures comme Anniversaire. Et pourtant, l’exposition met en scène comment, alors que Tanning s’est lancé dans l’abstraction picturale du milieu du siècle (avec des résultats parfois mitigés), les thèmes philosophiques clés de cette période antérieure subissent des transformations et des réitérations.

Dorothea Tanning, “Far From” (1964), huile sur toile, 69 x 79 pouces (2022 the Destina Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Kasmin, New York. Photo de Diego Flores)

Dans “Far From” (1964), l’une des œuvres les plus vastes et les plus abouties de la série, Tanning obscurcit les contours des personnages en déployant des lavis vaporeux de peinture blanche pour créer un drame harmonieux entre présences incarnées et informe flottante. Comme la plupart des œuvres luxuriantes à grande échelle de Kasmin, “Far From” suggère des formes humaines charnelles qui apparaissent dans divers aperçus et poses – membres, fesses, torses blancs et roses – émergeant, disparaissant et refaisant surface, vues et cachées au milieu d’une lumière changeante et ombre mouvante. Souvent, ces formes anonymes dégringolent ou s’entremêlent dans des champs de couleurs qui peuvent être à la fois invitants et d’une opacité exaspérante.

Mais en termes biographiques et esthétiques, Tanning n’est pas un obscurantiste méfiant. En fait, elle est peut-être la fabuliste la plus factuelle de l’art et des lettres américains du XXe siècle, celle qui croyait à la stupéfaction quotidienne et à la rêverie lucide, pratiques qui informent également sa production considérable de poésie. Dans “Waverly and a Place” de la collection de poésie Une table des matières (Graywolf Press, 2004) elle décrit sa personnalité créative comme une surréaliste des derniers jours fluide, saisissant toujours les multiples correspondances du monde à travers le langage ainsi que l’imagerie, comme elle écrit de “La pièce – une grotte, / une Alexandrie avant les flammes – /lié dans l’illimité, une tapisserie/ de chuchotements.

Né en 1910 à Galesburg, Illinois, Tanning a pris une lecture vorace dans les bibliothèques locales et a étudié par intermittence l’art en studio dans un certain nombre d’institutions du Midwest. Dans les années 1930, elle s’est installée à New York, où elle a trouvé du travail comme illustratrice commerciale, et elle a commencé à peindre sérieusement. Elle y rencontre des peintres surréalistes exilés, dont Max Ernst, qu’elle épouse ; pendant 35 ans, le couple évolue entre studios parisiens et espaces de travail à Sedona, en Arizona. Après la mort d’Ernst en 1976, Tanning s’est définitivement réinstallé à Manhattan.

Alors que sa production en art visuel continuait d’attirer l’attention dans des expositions internationales, des rétrospectives et des monographies, volant souvent sous la bannière curatoriale du surréalisme, aux États-Unis, Tanning était presque aussi connue qu’une mémorialiste et une poétesse. des collections annuelles comme Meilleure poésie américaine et dans des magazines comme La Nouvelle République et Le new yorker. Au moment de sa mort à 102 ans en 2012, elle incarnait une longévité créative probablement sans précédent dans la culture américaine récente.

Le bronzage n’est pas invisible dans la transformation de plusieurs décennies en semi-abstraction représentée par les œuvres souvent captivantes de N’a past la peinture dit-elle tout ? En fait, cette exposition montre qu’alors que l’artiste adopte les stratégies anti-narratives de l’abstraction picturale, plusieurs œuvres peuvent encore être lues comme des contre-déclarations formalistes ou poétiques au portrait naïf et aux peintures narratives fantasmatiques qui l’avaient placée sur la carte moderniste pendant des décennies. plus tôt.

Vue d’installation de Dorothea Tanning : la peinture ne dit-elle pas tout ? à Kasmin, New York. Centre : Dorothea Tanning, “Door 84” (1984), huile sur toile avec porte trouvée, 63 3/4 x 104 x 5 1/4 pouces (2022 the Destina Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York. , New York (photo de Diego Flores)

Un de ces courants autobiographiques sous-tend la pièce maîtresse de l’exposition, un double portrait de l’artiste en tant que jeune fille intitulé « Door 84 » (1984) – un diptyque éthéré jaune et rose peint sur une porte. Ce support en bois réutilisé fonctionne sur des plans littéraux et figuratifs. Le bord de la porte dépasse verticalement du plan de l’image, son loquet tourné vers l’extérieur et deux boutons face aux filles peintes. Cet élément sert de frontière médiane séparant les portraits jumeaux. Dans les deux cas, la fille ne porte qu’un slip. À gauche, elle est en mouvement dynamique en diagonale, étirée transversalement sur le plan de l’image, comme si elle essayait d’en sortir. Dans l’autre portrait, elle est assise passivement et langoureusement, les jambes étendues paresseusement, son corps se dissolvant presque dans les jaunes environnants. Les pieds roses des deux personnages semblent se presser l’un contre l’autre – presque se toucher – sur la bande grise non peinte (la porte), qui fonctionne de manière thématique tout en fonctionnant comme la toile du peintre. Le tableau définit la peinture comme un dédoublement paradoxal : l’art est une barrière poreuse et un miroir dissimulé.

Une certaine tension stylistique non résolue entre les abstractions des champs de couleurs et la figuration nue informe « Door 84 » et presque toutes les œuvres de l’exposition. Il y a une énergie push-and-pull produite par le jeu chromatique et la semi-figuration énergique. Au mieux, ces œuvres montrent à quel point la réalité elle-même – illustrée par la chair humaine – est substantielle et lourde, mais aussi botanique et vaporeuse. Les corps érotisés et entrelacés ressemblent souvent à des pétales de rose qui se chevauchent ; À d’autres moments, des volutes en forme de nuage de couleur apparemment pure – roses, verts, gris – se dissolvent pour dévoiler des formes humaines aux silhouettes délicates.

Dorothea Tanning, « Pour Gustave l’adoré » (1974), huile sur toile, 45 5/8 x 35 pouces (2022 Dorothea Tanning / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Kasmin, New York. Photo de Diego Flores )

Ce jeu d’ombres envoûtant trouve sa plus belle réalisation dans “Pour Gustave l’adoré” (1974), l’hommage de Tanning à l’artiste français Gustave Doré. Son clair-obscur prédominant – construit sur divers noirs et bleus – cède la place à une lumière ardente et aqueuse révélant en partie une créature mi-poisson, mi-humaine. “Wonder”, comme nous le rappelle la poétesse Emily Dickinson, “ne sait pas exactement / Et ne sait pas exactement ne pas”. Ce principe définit les œuvres artistiques et poétiques de Tanning. Dans le poème “L’écrivain” un ars poétique dans la collection de Tanning Venir à ça (Graywolf Press, 2011) l’orateur montre comment l’émerveillement imprègne la présence dans l’absence et vice versa et, en faisant ce double devoir, l’émerveillement devient le principe générateur de la créativité elle-même :

I catch at images: toast crumbs, say,
caught in mid-fall, explode on
contact or ride missed trains.
Nobody knows where the trains
were going but everyone
was missing them.

Dorothea Tanning : la peinture ne dit-elle pas tout ? Continue à Kasmin (509 West 27th Street, Chelsea, Manhattan) jusqu’au 16 avril. L’exposition a été organisée par la galerie.

Leave a Comment