Winslow Homer : impressionniste radical – The New York Times

La merveilleuse exposition “Winslow Homer : courants croisés” Au Metropolitan Museum of Art commence par deux trous de la taille d’une baie vitrée dans le mur : un visiteur regarde dans une ouverture puis, à travers elle, dans l’autre. Ensemble, ils ajoutent un air passionnant d’imprévisibilité. Ils “encadrent” également une peinture accrochée à un troisième mur plus profond dans l’exposition : une toile tendue intitulée “Le Gulf Stream” que beaucoup considèrent comme la plus grande œuvre d’Homère. Il représente un homme noir musclé, torse nu, allongé, appuyé sur ses coudes, regardant sinistrement au loin, sur le pont d’un bateau de pêche au mât cassé. L’ouragan est passé et son engin s’incline vers le chavirement, alors que les requins tournent dans les eaux ensanglantées.

“Le Gulf Stream” a été peint en 1899 et exposé un an plus tard, mais Homer a légèrement réajusté son drame au cours des six années suivantes. En 1906, lorsque le Met a acheté le tableau, il avait ajouté un navire à l’horizon à l’extrême gauche, ce qui impliquait que les conditions pourraient s’améliorer, et avait renforcé une trombe marine à droite, laissant entendre que ce n’était peut-être pas le cas. Ce travail était le fruit des voyages d’hiver d’Homère aux Bahamas, où il pêchait et réalisait des croquis et des aquarelles à transformer en peintures dans son atelier du Maine. C’est aussi l’inspiration de cette exposition révélatrice, qui pose un nouveau regard sur les thèmes de la lutte et du conflit dans l’art d’Homère et en même temps (à mon avis du moins) éclaire son évolution en tant que peintre radical au bord du modernisme.

Les 88 huiles et aquarelles de cette exposition constituent une rétrospective simplifiée qui représente environ un tiers de la taille de la somptueuse rétrospective Homer au Met en 1996. Organisée par Stephanie L. Herdrich et Sylvia Yount du Met, avec Christopher Riopelle de la National Gallery de Londres, il suit l’évolution de l’artiste depuis sa première huile en 1863 jusqu’à sa mort en 1910, balayant certaines phases et groupes d’œuvres. Mais il met en évidence l’évolution thématique et formelle de l’art d’Homère et révèle une pertinence contemporaine qu’aucun autre peintre américain du XIXe siècle ne peut rassembler.

Homer est né à Boston en 1836, le deuxième fils de Charles Savage Homer, un marchand, et d’Henrietta Benson Homer, qui a encouragé son intérêt pour l’art. Fin 1854, il entreprend un apprentissage chez un lithographe de Boston, dont il sort au début de 1857 absous de ne plus jamais travailler pour qui que ce soit. Il monte un studio et devient en quelques mois un illustrateur recherché. En août, sa première illustration est parue dans Harper’s Weekly et en l’espace de deux ans, il a déménagé à New York. Refusant de rejoindre l’équipe de Harper, il en devient néanmoins l’artiste-correspondant, effectuant trois voyages en Virginie pour observer les batailles et la vie des hommes enrôlés afin d’illustrer la couverture de la guerre civile du magazine.

En 1863, Homer s’inscrit à un cours de dessin d’après nature à la National Academy of Design. Il sera en grande partie autodidacte en tant que peintre, et aussi en 1863, essaie sa première huile, le “Sharpshooter” (1863) au succès flagrant, vu au début de l’exposition. Il montre un tireur d’élite de l’Union coincé dans un arbre qui surveille les choses à travers un viseur télescopique nouvellement inventé. En moins de trois ans, Homer était associé de l’Académie, puis membre à part entière, ce qui exigeait la présentation d’un diplôme de peinture. Au verso de la sienne, l’artiste a écrit “Winslow Homer aimerait avoir le privilège de peindre un meilleur tableau”.

“Le Gulf Stream”, installé au milieu de l’exposition avec de nombreuses études à l’aquarelle, relie deux aspects des préoccupations d’actualité d’Homère : la guerre civile et en particulier le sort des femmes et des hommes noirs à la suite, et la lutte humaine pour vivre avec la nature. . Les images d’Homère des Noirs, vues dans son travail pour Harper’s, ses peintures et, plus abondamment, ses aquarelles des Caraïbes sont, à leur meilleur, les plus empathiques et les moins biaisées de tous les artistes américains de son temps. Cela est évident dans “Near Andersonville” (1865-1866), un petit tableau d’une jeune femme résolue se tenant devant une porte sombre, perdue dans ses pensées alors qu’un groupe de troupes confédérées défilent. Homère accorde à ses sujets noirs un degré insolite d’intériorité psychique, digne des pouvoirs d’observation qu’il a aiguisés en tant qu’illustrateur.

En revanche, les traits de ses sujets blancs ont tendance à être impassibles et indifférenciés lorsqu’ils sont vus. L’intériorité qu’il a surtout laissée à Thomas Eakins, son cadet de huit ans et son partenaire dans le réalisme américain pionnier. Cela peut être cohérent avec le manque d’émotion personnelle dans son travail et son piquant Yankeeness et son sens de l’intimité. C’était un artiste des forces extérieures.

Il est facile de voir « Le Gulf Stream » comme un exemple de ces forces qui s’abattent sur tous les êtres vivants. La lutte contre la nature est également mise en scène dans les peintures d’Homère sur les sauvetages et les catastrophes en mer, les pêcheurs robustes aux prises avec des bateaux et des filets, et les familles soufflées par le vent attendant avec impatience le retour de leurs hommes. Mais le protagoniste fataliste et les prédateurs à nageoires du « Gulf Stream » servent également de métaphore des obstacles et des menaces non résolus pour les Noirs et en particulier pour les hommes noirs, qui restent d’une pertinence écrasante aujourd’hui.

Ce spectacle parcourt différents styles de peinture et les compétences croissantes d’Homère. Les travaux à la fin d’une section peuvent signaler des développements à venir, plus clairement dans “Promenade sur la plage”, qui termine les scènes rurales et balnéaires d’Homère de la fin des années 1870 avec deux jeunes femmes bien habillées marchant le long du rivage. Au-dessus, nous voyons des nuages ​​​​d’orage menaçants, qui prédominent dans les peintures de sauvetage. Il y a aussi une tension continue entre l’illustration et la peinture, plus clairement dans “L’épave de la couronne de fer”, une aquarelle (1881) qui représente un canot de sauvetage avec un équipage d’aviron minutieusement détaillé de 10 personnes, se dirigeant vers un navire en train de sombrer à travers des torrents. de points de peinture blancs exubérants.

À travers ces phases, il est devenu innovant en tant que réaliste et constructeur d’images de compositions émoussées, utilisant une peinture épaisse et vigoureusement manipulée pour ajouter de la puissance à ses formes et pour pousser ses paysages marins finaux au bord de l’abstraction. Son penchant pour la division des toiles bord à bord avec des horizontales nettes (comme un champ de blé ou une étendue de plage) et surtout pour les diagonales emphatiques (qu’il s’agisse de rochers en pente ou de vagues) a été admiré par le minimaliste Donald Judd à la recherche d’artistes dont il considère distinctement les sensibilités. Américain, libre des traditions et influences européennes. Mais l’observation aiguë d’Homère de la nature – la lumière, l’atmosphère, le temps – son utilisation de la peinture humide sur humide et sa tendance à peindre d’après nature le qualifient d’impressionniste.

Au cours des deux décennies qui ont précédé sa mort en 1910, Homer a accru la tension dans son art, le rendant englobant et inévitable. Du perchoir de son studio au-dessus de la côte du Maine, il a peint un grand nombre d’images marines qui sont pratiquement dépourvues de vie humaine. Il a observé les mouvements de l’océan d’aussi près que n’importe quel peintre l’a jamais fait alors qu’il s’écrasait sur les rochers, envoyait d’énormes panaches d’embruns, puis s’éloignait du rivage dans une longue inspiration silencieuse avant de tonner à nouveau.

Cette action est au centre de “Northeaster”, où une vague en pente parallèle à l’inclinaison d’un immense rocher; l’eau se courbe vers le rivage à droite et se désintègre en un grand panache vers la gauche. L’abondance de faits observés concernant l’eau de mer dans ces magnifiques peintures impitoyables est stupéfiante. Combinée à la puissance formelle des surfaces insistantes et des compositions austères de l’artiste, elle nous oblige à saisir, au-delà des images, la cruelle indifférence de la nature et le fait inéluctable de la mort.

Homer adoucit ce message dans un nocturne noir sur noir qui suit, « Cape Trinity, Saguenay River, Moonlight » (1904) qui n’a pas été vu à New York depuis la rétrospective de 1996. Remarquable pour son immobilité, il présente sa banque caractéristique de nuages ​​​​sombres, bloquant la majeure partie d’un croissant de lune et, bien en dessous, une boucle étroite de rivière. Dans l’espace entre un groupe de buttes sombres se profile, épaule contre épaule – de gentils géants qui veillent sur nous mais ne cèdent que peu de terrain sur lequel se tenir. “Cape Trinity” vaut à lui seul l’attente probable pour voir ce spectacle spectaculaire.


Winslow Homer : Courants croisés

Jusqu’au 31 juillet, le Metropolitan Museum of Art, 1000 Fifth Avenue, Manhattan, 212-535-7710 ; metmuseum.org.

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