Une Biennale Whitney de l’Ombre et de la Lumière

Après un an de retard de Covid, la dernière biennale de Whitney est arrivée en ville, et c’est un spectacle bienvenu. D’autres éditions récentes – il s’agit de la 80e rafle de ce genre – ont eu tendance à être des affaires bourdonnantes, nerveuses et de jeunesse. Celui-ci, même avec de nombreux jeunes artistes parmi ses plus de 60 participants, la plupart représentés par de tout nouveaux travaux réalisés en confinement, ne se lit pas de cette façon. C’est un spectacle particulièrement sombre et adulte, chargé de trois ans d’histoire bouleversante marquée par la division sociale, la violence raciste et la mortalité implacable.

Organisée par deux conservateurs chevronnés de Whitney, David Breslin et Adrienne Edwards, le titre de la Biennale, “Quiet as It’s Kept” – une expression familière, provenant de Toni Morrison, indiquant des réalités sombres tacites – suggérant le ton discret de l’émission. Son look même donne un indice sur son humeur : son installation principale, aux 5e et 6e étages du Whitney Museum of American Art, est littéralement partagée entre ombre et lumière.

Pour l’occasion, le musée a supprimé presque tous les murs de séparation de son cinquième étage, ouvrant son espace Manhattan de bout en bout – de l’Hudson River à High Line – et réparti l’art dans des unités insulaires. L’arrangement n’est pas beau; il a un aspect confus de salle de vente. Mais cela me rappelle, pour moi, un moment tranquillement utopique du monde de l’art.

En 2009, une entité locale à but non lucratif appelée Initiative Xcomposé d’artistes, de marchands et de conservateurs, a organisé un événement à Chelsea, non loin de l’actuel Whitney, appelé “Aucune âme à vendre: un festival d’indépendants.” Il a réuni des dizaines de galeries et d’organisations alternatives sous un même toit et a utilisé exactement ce format sans frontières – celui qui a supprimé les stands de style foire d’art et les salons VIP, sans parler des frais d’entrée – et a laissé l’art et son public se mêler librement, partageant l’air et la lumière communs. (La ville Foire d’art indépendant a initialement adopté le modèle sans murs mais l’a rapidement abandonné.)

Comme les commissaires l’ont souligné dans des déclarations sur l’exposition, l’idée de frontières, et de s’en débarrasser, était importante dans leur réflexion sur cette biennale, à commencer par les questions (également abordé par l’édition 2019) de comment abattre les frontières géopolitiques qui ont traditionnellement défini et délimité la version Whitney de « l’art américain ».

Parmi les artistes de 2022, trois vivent et travaillent au Mexique (Mónica Arreola, Alejandro Morales et Andrew Roberts) et deux au Canada (Rebecca Belmore et Duane Linklater, tous deux d’origine autochtone). Plus d’une douzaine sont nés en dehors des États-Unis continentaux; certains vivent encore ailleurs à temps partiel. L’une, Rayyane Tabet, qui répertorie Beyrouth et San Francisco comme sa maison, était en train de demander la citoyenneté américaine lors de l’assemblage de la Biennale, et dans une série de textes affichés à l’intérieur et à l’extérieur du musée, des citations de la naturalisation américaine officielle test.

Les frontières au sein des médias artistiques sont également brouillées. Les conservateurs ont exprimé un vif intérêt – en partie, je suppose, en réaction à la fixation actuelle du marché sur la peinture figurative – pour l’abstraction en tant que mode libérateur, qui peut libérer l’art de significations sociales et politiques spécifiques, mais aussi – silencieux car il est gardé – les accueillir.

Peintres d’une génération plus ancienne, James Little et Denyse Thomasos (1964-2012), dont le travail semble s’inscrire dans une tradition moderniste d’abstraction « pure » sur laquelle s’est construit le Whitney lui-même, illustre cette dynamique. Deux images spectaculaires de Thomasos, né à Trinidad, portent sur le geste pictural, mais aussi sur l’histoire de la captivité noire, passée et présente, comme le révèlent leurs titres – “Enterrement déplacé/enterrement à Gorée” et “Jail”. .

Little, qui a exposé pendant des décennies avec la galeriste new-yorkaise June Kelly et attire désormais l’attention, laisse également les titres raconter une histoire. Dans son magistral « Stars and Stripes » (2021) entièrement noir, huile et cire, il est difficile de dire si les barres qui composent son motif géométrique convergent ou se heurtent.

Parmi les autres peintures abstraites de l’exposition, celles qui nous intéressent sont celles qui touchent à d’autres disciplines. Deux grandes peintures de Linklater utilisent des formes de tipi comme modèle. Les tentures en forme de tapisserie de l’artiste Lisa Alvarado ont été réalisées comme environnements pour des performances musicales auxquelles elle a participé. L’artiste et chorégraphe portoricaine Awilda Sterling-Duprey, septuagénaire et qui compte parmi ses influences John Cage et les rituels religieux afro-cubains, peint en dansant, les yeux bandés, sur des enregistrements de jazz. (Ses trois pièces du spectacle ont été exécutées sur place dans le musée.)

La performance fusionne avec la sculpture abstraite dans une vidéo de l’estimable David McKenzie, que l’on voit improviser des rencontres ballétiques avec des objets errants dans son atelier, où il semble avoir passé pas mal de temps de confinement. Et Alex Da Corté réalise une sorte de trifecta formel dans une vidéo de 2022 dans laquelle il interprète plusieurs rôles (Marcel Duchamp, le Joker), tout en embrassant des sculptures historiques (celles de Brancusi) et en défigurant – c’est-à-dire en repeignant – des images historiques, «The Blue Boy» de Gainsborough parmi leur.

Chaque biennale produit au moins un favori du public, souvent une vidéo. La pièce de Da Corte – drôle, effrayante, produite de manière luxuriante – est un candidat naturel. (Par droits, Jacky Connolly« Descente en enfer » à quatre canaux, comparativement étrange mais, dans son format serré et enveloppant, plus difficile à regarder, devrait également être en lice.) En revanche, ce qui est moins susceptible d’attirer l’attention, c’est de travailler sur un support différent – langage, visuel et parlé – bien que le spectacle en soit riche. C’est dedans Jane Dicksonses peintures de signalisation urbaine ; dans Tony Cooksdans les textes vidéo fulgurants de (“How to mourn mass death?”, “I CN’T BRTH”), et dans les dessins et peintures de Ralph Lemon évoquant une sorte de notation de danse cosmique. La plupart d’entre eux se trouvent tous au 5ème étage, bien que la concentration principale d’art basé sur les mots se trouve au 6ème étage, où les cloisons sont levées, les lumières de la galerie sont faibles et l’âme de cette Biennale est concentrée.

Dans un sens, l’esprit politique de cette biennale consciente des frontières et racontant l’histoire, et de celles qui l’ont précédée, partageant les mêmes idées, est né d’une seule phrase déclarative de huit mots – “Je ne peux pas imaginer vouloir jamais être blanc” – qui, de manière controversée, a été imprimée sur des étiquettes d’admission en métal fabriquées pour l’édition de 1993. Les phrases et les tags ont été imaginés par l’artiste et provocateur Daniel Joseph Martinez, qui plus tard a contribué à l’émission de 2008, et refait l’actuelle.

Pour son nouveau travail de 2022, il s’est photographié sous l’apparence (prothétiquement améliorée) de cinq anti-héros «post-humains» de la culture pop, dont Frankenstein, le comte Dracula et le Chasseur de prime extraterrestre extrait de “Les X-Files”. Mais ce qui rend la pièce captivante, c’est une déclaration qui accompagne les images, une mise en accusation cinglante de la race humaine en tant qu ‘«espèce envahissante ultime» de la Terre, une espèce sur le point de s’autodétruire et d’emporter avec elle tous les autres êtres vivants.

La tonalité eschatologique de l’œuvre trouve un écho dans Alfredo Jaar’s récit vidéo tendu, rempli d’effets spéciaux, de la Attaque policière de 2020 contre des manifestants à Washington DC. Et il y a un ton de deuil de la fin des temps Coco Fusco“Your Eyes Will Be an Empty Word” de “Your Eyes Will Be an Empty Word”, une visite vidéo commentée de Hart Island, le vaste cimetière public de l’East River qui, depuis plus d’un siècle, a reçu les corps des morts non réclamés de New York, y compris maintenant les victimes de Covid .

Les biennales sont, presque par définition, des événements actuels (et englobent la politique actuelle : les travailleurs syndiqués de Whitney à la recherche de salaires plus élevés dépliant l’ouverture VIP de cette Biennale cette semaine). Ces événements se passent rarement en arrière. Mais celui-ci le fait. La vidéo de Fusco est une méditation sur ce qui a disparu et continue de disparaître. Le portrait vidéo d’Adam Pendleton de la théologienne et militante pour la justice sociale Ruby Nell Sales est un hommage émouvant à une longue et galante histoire personnelle qui se poursuit dans le présent. Jonathan BergerL’installation sculpturale tout à fait extraordinaire de “Une introduction à l’amour sans nom”, un livre géant fait de lettres découpées dans de l’étain, est une sorte de “Vie des saints” sans rendez-vous. Certains de ces saints sont toujours parmi nous, d’autres non.

Et une pièce sonore intitulée “Silent Choir” par l’artiste Navajo Corbeau Chacon – l’un d’une cohorte de participants amérindiens exceptionnels à cette biennale – est un document du passé pas comme les autres ici. Il s’agit d’un enregistrement audio de 2016 réalisé lors d’une veillée silencieuse – un acte de “résistance sonore” est le terme de Chacon – organisé par des femmes protestant contre le Dakota Access Pipeline près de Standing Rock, ND avec seulement le bruit du bruissement et de la respiration et le vrombissement occasionnel des hélicoptères de surveillance Briser le silence, c’est un morceau profondément émouvant de l’histoire-presque-pas-là.

Moving, aussi, sont une paire d’hommages à des personnalités culturelles du passé qui clôturent le spectacle. Une figure est l’artiste Thérèse Hak Kyung Cha. Née en Corée du Sud en 1951, elle a immigré avec sa famille aux États-Unis en 1962. À la fin de cette décennie orageuse – le mouvement de protestation étudiant était en ébullition, le mouvement féministe commençait – elle étudiait l’art, le cinéma et la littérature à l’Université de Californie, Berkeley, et commence à faire des travaux expérimentaux dans les trois domaines. Ce travail l’a emmenée à Paris, puis de retour en Corée et enfin à New York, où elle a épousé le photographe Richard Barnes en 1982. Le 5 de cette année-là, elle est allée le rencontrer au Puck Building à Soho, et y a été violée et assassinée par un agent de sécurité. Elle avait 31 ans.

Dans les années qui ont suivi, son art lumineux et son écriture sont devenus extrêmement influents parmi les jeunes artistes. Et le mini-sondage de la Biennale, installé dans l’équivalent d’une petite tente blanche au cinquième étage, en donne une bonne idée, avec des exemples de ses carnets manuscrits et de vidéos. Dans l’une, le visage de sa sœur Bernadette a clignoté à plusieurs reprises, pendant des minutes, sur l’écran. Puis soudain un visage différent apparaît – celui de l’artiste elle-même – mais juste une fois, puis disparaît.

L’autre hommage, au 6ème étage, a un tout autre caractère : il s’agit d’un homme, d’un lieu, d’un projet collectif. L’homme était Steve Canon (1935-2019), écrivain et enseignant new-yorkais actif dans le collectif littéraire noir du centre-ville Umbra dans les années 1960. (Le poète NH Pritchard, dont les manuscrits décorés à la main apparaissent dans la Biennale, était également l’un des premiers membres.) L’endroit était la maison de ville de Cannon’s East Village – qui accueillait, à partir des années 1990, un projet appelé A Gathering of the Tribes, qui englobait une galerie d’art, un espace de performance et un magazine artistique toujours publié en ligne.

Au fil des ans, d’innombrables artistes, musiciens et écrivains ont franchi la porte de Tribes, qui ne s’est jamais fermée. Et Cannon, qui était aveugle, était toujours là, prêt à donner et à recevoir des idées, des enthousiasmes, des opinions. La Biennale a recréé, ou réimaginé, le cadre de l’appartement, en y apportant des meubles anciens, en installant une peinture murale de l’ami de Cannon, l’artiste David Hammons, et y compris des objets personnels, comme le cendrier omniprésent de Cannon, ainsi que des piles de livres, de cahiers et de magazines qui remplissaient l’endroit. Bref, il évoque le fantôme d’une situation utopique. Qu’une Biennale, une entreprise constitutionnellement actuelle, fasse cela, en dit long sur l’esprit de réflexion qui distingue cette édition.


La Biennale de Whitney 2022 : calme comme elle est gardée

Avant-premières pour les membres, du 31 mars au 4 avril. Ouvert au public, du 6 avril au 4 septembre. 15. Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort Street, Manhattan ; 212-570-3600 ; whitney.org. Billets horaires requis.

Leave a Comment