Où voir des expositions de galeries d’art dans la région de Washington

Les photos des deux artistes sont pour la plupart, mais pas entièrement, monochromes. Smith’s sont des dessins blanc sur noir de formes simples sur du lin taché dont les sous-couches révèlent parfois des couleurs plus vives. Les Brugnoli sont dessinés et peints sur des sérigraphies en noir et blanc sur Mylar, et tous sont dans des tons de gris et de noir, à l’exception d’un strié de pigments dorés.

Les images centrales des œuvres de Brugnoli semblent être dérivées de photographies et sont donc plus détaillées, même lorsqu’elles sont partiellement immergées sous l’encre sumi, le fusain blanc ou d’autres matériaux. Les motifs comprennent des lignes électriques, des bosquets d’arbres et des voies ferrées, tous grêles mais véhiculant une sensation de mouvement ou de connexion. Smith propose des interprétations abstraites de ce qui semble être des objets aussi banals que des tasses et des boîtes, bien que sa déclaration assimile chaque forme à un « paysage intériorisé ». Smith se rapproche le plus du territoire de Brugnoli avec “Track”, un rendu de quelques lignes grossières qui sont parallèles ou se chevauchent.

Là où les pièces de Smith résultaient de voyages en famille à Syracuse et retour, celles de Brugnoli ont une impulsion plus sombre : la mort de son père en 2021. Parmi les formes récurrentes des œuvres, la déclaration de l’artiste explique : « Je répète pour me souvenir. Je détruis pour réimaginer. J’enterre pour déterrer. Les câbles, les rails et les troncs des tableaux de Brugnoli relient symboliquement le passé et le présent, la chaude mémoire et la froide réalité.

Nikki Brugnoli et Anne C. Smith : Forces éphémères Jusqu’au 17 avril au Athénée201, rue Prince, Alexandrie.

Exposition de sculptures spécifiques au site à petite échelle (SSSSSS)

La plupart des galeristes offrent aux artistes une salle blanche pour exposer leurs œuvres. Les artistes-entrepreneurs Nancy Daly]et Rex Delafkaran sont allés plus loin dans le nouvel emplacement de leur pop-up, But, Also. Ils ont équipé l’espace de meubles blancs d’occasion et d’autres accessoires, y compris une cabine de douche partielle. Ensuite, ils ont invité neuf artistes à ajouter leurs propres touches pour compléter le “Small Scale Site Specific Sculpture Show (SSSSSS)”.

Certaines œuvres d’art sont remarquables. Brian Michael Dunn a jonché la table de fac-similés sérigraphiés de billets d’un dollar, leurs images trop dégradées pour entraîner des accusations de contrefaçon. Kevin Kao a recouvert les murs autour de la douche de mini-étagères dont les formes bulbeuses suggèrent le corps mais dont les surfaces réfléchissantes font office de miroirs. J. Alex Schechter a suspendu à un mur un ensemble délabré de terrariums dont les composants comprennent des plantes artificielles, des étaux en métal et des LED fuchsia.

D’autres pièces sont au moins quelque peu cachées. Hannah Spector a placé une gravure et une tablette électronique de lecture vidéo dans un tiroir. Yan Jin a déchiré six pages d’un livre de Jorge Luis Borges et les a fourrées dans des ballons, qui pendent sous le tome cloué. Emily Francisco a équipé une armoire à pharmacie de petites boîtes en métal remplies de sons d’animaux guérisseurs. Dans ce magasin d’articles ménagers idiosyncratique, certaines des marchandises les plus attrayantes sont éphémères.

Exposition de sculptures spécifiques au site à petite échelle (SSSSSS) Jusqu’au 9 avril à Mais aussi, 1418 N. Capitol St. N.W.

Dans leur livre de 1972 sur l’architecture postmoderne, “Learning From Las Vegas”, Robert Venturi, Denise Scott Brown et Steven Izenour distinguent deux types de bâtiments : les “canards”, qui prennent des formes distinctives, et les “hangars décorés”. Le photographe de DC Philip Taplinest un chasseur de canard. Les images de “AmerIcons”, son émission Photoworks, commémorent des structures telles que Lucy, la éléphant en bois et en étain de six étages à Margate, NJ Sont également représentés El Gran Toro, un reportage en forme de vache aux yeux rouges brillants et, oui, un bâtiment – le Big Duck – sous la forme d’un gros canard blanc.

Pourtant, certains des bâtiments photographiés par Taplin ne sont que des hangars richement décorés. L’entrée de Gatorland d’Orlando est un ensemble de mâchoires vertes monumentales, mais elles débouchent sur une structure rectangulaire ordinaire. Le fait que les images de tels endroits ne semblent pas ordinaires doit beaucoup au minutieux timing de Taplin. Le photographe photographie souvent au crépuscule, lorsque les ciels roses et violets ajoutent un élément fantastique aux compositions. “AmerIcons” documente une époque en voie de disparition dans l’architecture des autoroutes américaines, mais ses images semblent exister étrangement hors du temps.

Les images de “Hillover Road” de Jennifer Sakai, également chez Photoworks, sont une variété différente d’instantanés de vacances. Inspiré par une maison de Long Island qui a servi quatre générations d’une famille, le projet comprend des photos ensoleillées de la plage, du ciel et de petites structures commerciales. Certaines des images sont des gros plans intérieurs, mettant l’accent sur le jeu dramatique de la lumière sur les objets ménagers. Deux séries tournées entre 2008 et 2021 — l’une sur la façade d’un motel local et l’autre sur des pylônes en bois flotté érigés provisoirement dans le sable — marquent le temps qui passe. Que les choses changent ne fait que souligner le sentiment de continuité de “Hilllover Road”.

Philip Taplin : AmerIcons et Jennifer Sakai : Hillover Road Jusqu’au 10 avril à PhotoworksGlen Echo Park, 7300 MacArthur Blvd., Glen Echo.

Des passerelles en bois traversent des dunes de sable miniatures entassées sur le sol de la Cody Gallery, sous une arche fleurie et une sculpture représentant un palmier. L’objectif apparent de “People and Places You Don’t Know How to Know” de Dave Eassa est d’emmener les visiteurs dans une sorte de voyage.

Le chemin signifie dans l’histoire de la famille de l’artiste de Baltimore. Descendant d’immigrants de Syrie, des territoires palestiniens et du Liban, Eassa a réinventé son passé, inspiré en partie par une résidence de cinq semaines en Jordanie en 2021. Il a dirigé des ateliers d’art pour de jeunes skateurs tout en se familiarisant avec la culture locale.

L’exposition est centrée sur quatre grandes peintures représentant les grands-parents d’Eassa et d’autres proches. Chacun a une bande de fleurs – jasmin, coquelicots, tulipes et roses rouges – en bas pour représenter le monde arabe. Les images combinent des contours sommaires et des couleurs vives pour suggérer un mélange d’artisanat traditionnel avec des graffitis américains et du Pop art. Comme raconté ici, l’histoire de la vie d’Eassa comprend plus qu’un peu de Baltimore urbain.

Dave Eassa : des personnes et des lieux que vous ne savez pas connaître Jusqu’au 14 avril à Galerie CodyMarymount University Ballston Center, 1000 N. Glebe Rd., Arlington.

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