Un nouveau spectacle à Athènes, l’épicentre du monde antique, explore notre amour éternel des ruines et des fragments

Des murs brisés, une statue renversée, de la poussière dessus tout: les ruines évoquent un mélange séduisant de sensations, allant du romantique et nostalgique au lugubre et même, à l’occasion, paisible ou serein.

« Ruin porn » est le terme souvent utilisé pour décrire la fixation culturelle contemporaine avec des objets et des lieux marqués par le passage physique du temps. Mais le phénomène est tout sauf nouveau. Le peintre baroque Nicolas Poussin a romancé les ruines antiques dans ses toiles, tandis que le photographe Eugène Atgets commémorait le Paris médiéval des années 1800 avant la refonte haussmannienne de la ville, pour ne citer que deux exemples historiques.

Christina Papadopoulou, directrice de Gagosian Athènes. Photographie de Yiorgos Kaplanidis / Ceci n’est pas une autre agence.

Athènes est une ville qui existe au milieu de ses propres ruines, ce qui donne l’exposition de groupe actuelle à Gagosian Athens, “Ruines et fragments”, une couche supplémentaire de sens. Organisée par les directrices de la galerie Louise Neri et Christina Papadopoulou, l’exposition rassemble des œuvres d’artistes internationaux, régionaux et locaux réfléchissant sur le pouvoir poétique des ruines et sur la façon dont les histoires anciennes se répercutent dans nos vies contemporaines. Les interprétations sont variées, de l’intérêt d’Ed Ruscha pour les lieux désolés aux fouilles littérales de segments de murs de Rena Papaspyrou, qu’elle recontextualise en tant qu’œuvres d’art.

La réalisatrice gagosienne Louise Neri.  Avec l'aimable autorisation de Gagosian.

La réalisatrice gagosienne Louise Neri. Avec l’aimable autorisation de Gagosian.

Papadopoulou a été un partisan dévoué des expositions d’artistes internationaux de premier plan dans des musées et des institutions en Grèce et à l’étranger. Neri est directeur principal chez Gagosian depuis 2006 et a 30 ans d’expérience dans les expositions. Elle est également une écrivaine et éditrice accomplie. Les deux réalisateurs ont organisé ensemble “Ruines et fragments” et nous leur avons parlé des expositions de grande envergure et pourquoi ils pensent que les ruines continuent d’attirer notre attention.

“Ruines et fragments” rassemble des œuvres d’un échantillon international d’artistes. Quels sont les fils et les thèmes qui traversent le spectacle?

Louise : Les œuvres de l’exposition, dont aucune n’a été réalisée expressément pour elle mais que nous avons rassemblées, révèlent des approches diverses et distinctes de ces idées, utilisant des matériaux, des motifs et des procédés anciens et modernes.

Certains artistes ont imaginé des futurs entièrement nouveaux à partir de ces fragments du passé, comme Adriana Varejão Cuadrato Blanco (Carré Blanc) (2020), où les traditions autochtones mexicaines, coloniales espagnoles et internationales modernes se croisent ; ou de Sarah Sze Plus large que le ciel (2021), avec sa structure parabolique érodée composée de nombreux éléments en acier coulé poli miroir qui absorbent et réfractent le milieu environnant ; et les architectures mentales obsédantes de Cristina Iglesias sérigraphiées sur des panneaux de cuivre étincelants, qui incarnent toutes deux le concept de « ruines à l’envers » de Robert Smithson.

Un exemple un peu plus extrême est la forme en fonte d’aluminium de Katharina Grosse avec sa palette de couleurs radioactives, qui suggère un éclat technologique renvoyé au présent par une civilisation future.

Vue d'installation "Ruines et fragments," 2022. Avec l'aimable autorisation de Gagosian.  Photographie de Paris Tavitian.

Vue de l’installation « Ruines et fragments », 2022. Avec l’aimable autorisation de Gagosian. Photographie de Paris Tavitian.

Le spectacle est présenté à Athènes, une ville profondément enracinée dans l’Antiquité et remplie de souvenirs de nos anciennes cultures et civilisations passées. En quoi l’exposition communique-t-elle avec la ville ?

Christina : Certaines des œuvres incluses dans l’exposition incorporent les matériaux réels et intégrés de l’histoire et de la culture urbaines grecques. En tant que tels, ils communiquent avec la ville d’Athènes de manière directe ou indirecte. Par exemple, il y a des artistes travaillant avec des processus archéologiques tels que Johanna Hadjithomas et Khalil Joreige. leur pièce, Non-conformités: Capsules temporelles du site : Monesteraki (Athènes), De 0 à 150 cm, De 150 cm à 300 cm, De 300 cm à 450 cm, De 450 cm à 600 cm (2017), se compose de fragments réels provenant de fouilles archéologiques à Monastiraki, Athènes.

Conservés dans de la résine, ces fragments enregistrent les décennies qui passent, l’histoire qui se passe, “un intervalle manquant dans les archives géologiques du temps”. Il est illustré avec l’accompagnement Trilogiesqui sont des récits photographiques, graphiques et écrits de ces fouilles par les artistes et autres experts.

Ou les expériences de Rena Papaspyrou des années 1980, dans lesquelles elle a pris la couche de surface en détresse de segments de murs de bâtiments abandonnés dans le centre-ville d’Athènes, puis les a modifiées avec un crayon et un marqueur, ce qui a donné des œuvres d’art qui possèdent la complexité visuelle des cartes ou des peintures abstraites.

Plus indirectement, il y a Corpo di pietra—rami (Corps de pierres—Branches) (2016) de Giuseppe Penone, dans lequel des brindilles de bronze s’étendent d’un fragment de pierre blanche veinée, soulignant l’utilisation du marbre, un matériau omniprésent dans le paysage grec ainsi que dans l’art et l’architecture de la Grèce antique, lorsqu’il était principalement utilisé pour honorer les dieux et célébrer la beauté.

Y a-t-il des œuvres dans l’exposition qui vous attirent particulièrement ou qui, selon vous, rassemblent vraiment l’exposition ?

Christina : Lorsque le spectacle a commencé à se mettre en place, Louise et moi avons estimé que chaque œuvre de la liste était essentielle et que le spectacle serait incomplet s’il manquait l’une des pièces. Si je devais nommer quelques œuvres qui me parlent vraiment, je devrais mentionner celle d’Ed Ruscha Matelas Métro (2015) peintures, qui ont une forte présence matérielle, comme si elles portaient tout le poids de l’existence humaine physique.

Ceux-ci sont installés avec Où suis-je maintenant? (2019), l’œuvre de Maria Loizidou, artiste chypriote. Dans cette pièce saisissante, réalisée à l’aide d’anciennes techniques de tissage locales, Loizidou crée une maille délicate en forme de toile en acier inoxydable, évoquant un sentiment d’ascension spirituelle. J’aime la façon dont les œuvres de ces deux artistes sont juxtaposées et participent à un dialogue inattendu mais très constructif l’une avec l’autre.

Ensuite il y a Mauvaises Herbes (2020) de Christodoulos Panayiotou – une image de mosaïque de pierre naturelle qui a été créée à la suite des recherches approfondies de l’artiste et de son engagement avec les mosaïques excavées et leur environnement. Cette pièce est présentée dans la même pièce que celle de Sarah Sze Plus large que le ciel (Série Fallen Sky) (2021), une œuvre conçue pour refléter le ciel, la nature et l’environnement qui l’entoure.

La salle de la galerie qui a été choisie pour ces œuvres se trouve dans un coin baigné de lumière naturelle, ce qui souligne immédiatement la manière dont ces œuvres incarnent la relation intime entre l’homme et son paysage..

De plus, la première œuvre que l’on rencontre en entrant dans la galerie est une belle sculpture de Tatiana Trouvé, intitulée Antoine. Il s’agit d’un moulage en bronze d’un sac à provisions en filet, qui contient un moulage en marbre de Le livre d’Antonio Damasio L’étrange ordre des choseset une sculpture en bois, qui a été sculptée par le père de Tatiana.

Vue d'installation "Ruines et fragments," 2022. Avec l'aimable autorisation de Gagosian.  Photographie de Paris Tavitian.

Vue de l’installation « Ruines et fragments », 2022. Avec l’aimable autorisation de Gagosian. Photographie de Paris Tavitian.

Le communiqué de presse de l’exposition contient deux citations : « Je suis parti à la recherche de moi-même », du philosophe grec ancien Héraclite, et « Nous pourrions être à la fin de notre Rome », de l’artiste américain Ed Ruscha. Comment ces deux énoncés incarnent-ils les idées à l’œuvre dans l’exposition ?

Louise : La citation d’Héraclite – le philosophe grec dont les pensées n’existent aujourd’hui que sous une forme fragmentaire – résume le projet humain perpétuellement inachevé de la recherche de l’individualité et de la connaissance de soi, comme le suggère la statue de Douglas Gordon du poète écossais Robert Burns. Alors que le commentaire ironique de Ruscha sur la spirale descendante continue de la société fait écho au Mahatma Gandhi, qui a répondu de manière célèbre lorsqu’on lui a posé des questions sur la civilisation occidentale, “Ce serait une bonne idée.”

Les dernières années et semaines ont révélé de profondes fissures dans notre société mondiale. Pensez-vous que les artistes du spectacle envisagent la fin des époques, bonnes et mauvaises, dans notre moment contemporain ?

Louise : Les fissures ont toujours été là, pendant des jours, des semaines, des mois, des années et des siècles ; nous avons juste choisi de les ignorer jusqu’à ce qu’ils ne puissent plus être niés. Tous les artistes impliqués ressentent, réfléchissent et s’engagent activement dans ces questions – les graves défis à la démocratie et à la justice sociale, les assauts contre l’expérience ressentie et vécue, et notre planète dans une tourmente toxique et sismique. Et ils répondent avec leurs pouvoirs critiques mais finalement rédempteurs de la production culturelle. Ed Ruscha est peut-être le plus littéral, avec sa déclaration “Nous pourrions être à la fin de notre Rome” et l’exquise déréliction de son Matelas Métro, comme des corps en décomposition ; ou l’importation métaphorique des sculptures en céramique de Theaster Gates, poussées à l’effondrement par la chaleur excessive du four de cuisson.

Christina : La façon dont je le vois, il y a un fort élément d’intemporalité comme essence centrale de ce spectacle. Chaque fin est un nouveau commencement. Il y a aussi cette notion de continuité, les ruines étant liées au passé, tout en révélant les possibilités du futur et de ce qui serait. Ainsi, les œuvres des artistes participants mettent en lumière la notion d’intemporalité de la créativité humaine, de la culture et même de l’existence dans son ensemble.

Comment les lieux géographiques et les générations artistiques influencent-ils ou informent-ils les œuvres de l’exposition ?

Christina : “Ruines et fragments” met au premier plan des artistes de deux générations, travaillant localement, régionalement et internationalement dans une pléthore de médiums différents – sculpture, dessin, céramique, gravure, peinture, assemblage et installation – et dont les influences artistiques découlent de leurs diverses origines culturelles, qui vont de la Grèce autour du monde.

Vue d'installation "Ruines et fragments," 2022. Avec l'aimable autorisation de Gagosian.  Photographie de Paris Tavitian.

Vue de l’installation « Ruines et fragments », 2022. Avec l’aimable autorisation de Gagosian. Photographie de Paris Tavitian.

Pourquoi pensez-vous que les gens sont si fascinés par les ruines et les fragments ? J’ai lu une fois que les ruines permettent aux gens d’imaginer une histoire du passé et de ce qui peut être. À la fois pour vendre la nostalgie, ou ce qui aurait pu être, et comme manière de construire un nouvel avenir bâti sur le passé.

Louise : Les ruines – architecturales, sculpturales, matérielles – stimulent l’esprit humain dans sa quête constante de certitude et d’exhaustivité ; imaginer ce qui aurait pu être ou pourrait être. Il y a à peine deux jours à Rome, j’ai visité les Terme di Caracalla, un site antique qui avait été un centre de loisirs populaire avec des piscines et des gymnases. Mais, c’était tellement magnifique dans son austérité esthétique et son ampleur squelettique qu’il m’était difficile d’imaginer préférer son ancienne gloire, recouverte de marbre orné et de fresques figuratives !

De la même manière, la plupart des textes philosophiques grecs tels que nous les connaissons aujourd’hui ne survivent que sous forme de « fragments » – le terme collectif donné aux citations conservées dans les écrits ultérieurs. Bien que ces textes puissent constituer une petite proportion des originaux, leur pouvoir réside dans leur capacité à illustrer les aspects les plus frappants ou les plus nouveaux de la pensée de leurs auteurs et ainsi offrir au lecteur un espace pour des imaginations et des fictions plus expansives.

Ruines et fragments» est actuellement à l’affiche à Gagosian Athens.

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