The Andy Warhol Diaries: la série Netflix est un portrait candide

Andy Warhol est l’un des artistes les plus diffusés, dupliqués, mal interprétés et magnétisés de tous les temps. Nous avons tous entendu de nombreuses histoires jusqu’à la nausée : The Factory, les 15 minutes, les Brillo, les Campbell, les Marilyn et les Elvis. Andy Warhol est partout. Eh bien, l’Andy Warhol que nous pensons être Andy Warhol.

Presque exactement 35 ans après la mort du célèbre artiste pop, Netflix a publié Les journaux d’Andy Warhol, un nouveau documentaire qui gratte sous la surface de la vie et de l’œuvre énigmatiques de l’artiste. La série en six parties de Ryan Murphy est dirigée par le livre à succès du même nom, compilé par l’éditeur Pat Hackett via une série d’appels transcrits avec l’artiste sur plus d’une décennie.

Images reproduites avec l’aimable autorisation de Netflix

Warhol avait une vision du monde qui a fini par en façonner un tout nouveau, où les célébrités étaient des icônes, la profondeur déguisée en superficialité et le consumérisme de masse était du grand art. Andy Warhol était incompris. Mais ce malentendu a été conçu, perpétué par l’artiste à travers son entourage astucieusement détourné, son approche du travail et sa profondeur de pensée – c’est la mystique de Warhol, et elle reste insatiable.

Les journaux d’Andy Warhol – tendre et envoûtant – lève le rideau sur la vie, le travail et les amours toujours fascinants (et indiscernables) de Warhol, racontés de sa propre voix (enfin, une version IA spécialement programmée – il semble que l’artiste ait finalement réalisé son souhait ‘d’être un machine’).

À travers des entretiens avec des amis tels que Debbie Harry et Rob Lowe, et des artistes Glenn Ligon, Jamie Wyeth et Julian Schnabel, il met en lumière la vision prophétique de Warhol de la culture telle que nous la connaissons aujourd’hui, imprégnée de célébrité, d’obsession de soi et de saturation d’image, mais aussi vues fluides sur la sexualité et la collaboration créative.

Trois artistes contemporains inspirés par Andy Warhol

Glenn Legon

Glenn Legon, Malcom X (Version 1) #12000, Peinture à base de vinyle, encre sérigraphique et gesso sur toile. ©Glenn Legon; Courtesy de l’artiste, Hauser & Wirth, New York, Regen Projects, Los Angeles, Thomas Dane Gallery, Londres et Chantal Crousel, Paris

L’artiste conceptuel américain Glenn Ligon a vu le travail de Warhol pour la première fois lors d’un voyage scolaire à Soho, New York. Bien que désormais l’une des voix phares de sa génération, à 16 ans, devenir artiste n’était pas encore au programme. «Je ne pense pas que je savais de quoi il s’agissait, mais d’une manière ou d’une autre, je savais que c’était important. Cela semblait amusant d’une certaine manière. C’était glamour aussi », dit Ligon dans The Andy Warhol Diaries. “Voir Warhol a en quelque sorte déclenché un certain désir. Ainsi, même dans mon cerveau de 16 ans, je savais que je voyais quelque chose d’extrêmement puissant. Une sorte d’avancée.

L’essai très cité de Ligon N’y prêtez pas attention, apparaît dans le catalogue de l’exposition 2018 du Whitney Museum ‘Andy Warhol: From A to B and Back Again’. C’est un examen critique de la série 1975 de Warhol Mesdames et Messieurs, qui présente près de deux cents portraits de femmes transgenres de couleur. « Warhol connaissait-il des Noirs ordinaires » ? demande Ligon, remettant en question les libertés que Warhol a prises en décrivant ces individus. Malgré ses critiques, Ligon a noté son appréciation pour le travail de Warhol, en partie dans une profondeur trompeuse en tant qu’artiste, et son utilisation « géniale » de la couleur. En 2000, il explore la force de la couleur avec un effet sidérant dans la série Coloration, pour lequel les enfants ont été invités à colorier des images d’icônes noires dans des livres de coloriage des années 1970. Sans leur gravité, les enfants comprennent la couleur historiquement librement. Dans Malcolm Xle leader des droits civiques est représenté avec un visage blanc et portant du rouge à lèvres, du fard à joues et du fard à paupières bleu.

Déborah Kass

Déborah Cass, Déb bleu2000, sérigraphie et acrylique sur toile © 2022 Deborah Kass / Société des droits des artistes (ARS), New York Kavi Gupta Gallery

Les formes plates aux couleurs pop, les quadrillages de visages familiers, les déclinaisons d’un jeu de couleurs ; Les premiers travaux de Deborah Kass ont le langage visuel de Warhol dans ses veines. Mais il y a un twist, un important. Kass s’est concentré sur l’appropriation habile et le remaniement des styles emblématiques des principaux artistes masculins du XXe siècle. En partie critique brûlante, en partie hommage, son intérêt était de confronter l’omission flagrante des femmes de premier plan dans l’histoire de l’art et dans la société en général.

En 1992, Kass a commencé son “Warhol Project”, dans lequel elle a renversé les peintures de célébrités omniprésentes de l’artiste pop, révisant ces groupements avec des autoportraits et des images de ses propres héroïnes, telles que Gertrude Stein, Barbra Streisand et Cindy Sherman.

Déb bleu, à première vue, ressemble à une pièce de la série ‘Liz’ de Warhol des années 1960 représentant l’actrice Elizabeth Taylor. Mais ce tableau, comme beaucoup d’autres, déjoue la complaisance du spectateur envers l’œuvre de Warhol, inimitable s’il est, il n’est pas exempt de réinterprétation.

En s’inspirant et en reformulant le langage visuel du passé, Kass nous demande d’envisager une histoire alternative dans l’art du XXe siècle, dans laquelle le travail des femmes artistes était autant iconisé que celui des hommes, et les « muses tragiques » avaient une autonomie. Comme elle l’a dit au cinéaste John Waters en 2007, “J’ai toujours eu envie d’utiliser l’histoire de l’art presque comme un ready-made”.

Jeff Koon

Jeff Koon, Nouveaux cabriolets Hoover1984 ©Jeff Koons

Koons a fait une USP en aspirant l’histoire de l’art – exécutée en termes littéraux avec ses ready-made d’aspirateur des années 1980, et dans une veine duchampienne, en la révisant en quelque chose d’entièrement nouveau.

À travers les motifs découpés, collés et réinventés de Koons issus de la culture pop et de l’histoire de l’art, nous pouvons identifier les parallèles entre l’époque de Warhol et la nôtre ; la banalité consumériste de masse, voyeuriste et obsédée par elle-même reflétée dans, et souvent à la surface de son travail. Comme Warhol, il ne s’agit pas tant de l’artiste, mais de nous.

À première vue, les parallèles entre Koons et Warhol sont faciles à établir : ils sont tous deux originaires de Pennsylvanie, ils travaillent tous les deux dans l’hyperbole visuelle, dans des représentations libérales du sexe, des fleurs, de la célébrité, ont un attrait général et masquent la profondeur avec la banalité. Mais Koons n’a ouvertement fait référence à Warhol qu’en un seul morceau : Hulk Elvis Ier (2007), dans lequel le personnage de Marvel Hulk est positionné dans la même position que Le Double Elvis de Warhol (1963), lui-même un riff sur une publicité encore pour le film de 1960 Étoile Flamboyante. §

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