Perfectionnez votre photographie en utilisant les sept éléments de l’art

La photographie est un art, et des éléments comme toutes les formes d’art, sept de base composent nos images. Même si je conteste ce chiffre, je pense qu’il y en a huit. Comprendre ces éléments nous aide à faire passer notre créativité au niveau supérieur.

Le premier de ces éléments est la ligne. La plupart de nos photographies sont constituées de lignes. Nous les utilisons pour guider notre regard autour de l’image, ce que nous appelons les lignes directrices. Ils sont souvent confondus avec des lignes d’introduction qui nous conduisent à un sujet dans le cadre.

Les lignes peuvent également agir comme des bloqueurs, empêchant l’œil du spectateur de se déplacer au-delà d’un certain point. Les lignes horizontales à travers le cadre peuvent faire exactement cela, et cela est généralement considéré comme une mauvaise chose. Cependant, lorsqu’il est utilisé intentionnellement, il peut empêcher le spectateur de remarquer une caractéristique au-delà de la ligne, ajoutant ainsi un élément de surprise à la photographie. De telles images sont moins agréables à regarder. Personnellement, cependant, j’aime les photographies qui sont stimulantes et qui nécessitent un peu de réflexion pour être comprises.

Les formes sont formées par les bordures d’espaces bidimensionnels fermés créés par une ou plusieurs lignes. Nous avons probablement appris les bases – cercles, triangles, carrés – quand nous étions tout-petits. En aparté, mon nom préféré pour une forme est le chiliagon, qui a mille côtés. Ce n’est pas la forme nommée avec le plus de côtés; le myriagone a dix mille côtés et le mégagone un million. Cependant, la plupart d’entre nous reconnaîtraient probablement jusqu’à un octogone sans avoir à compter les côtés.

Les formes peuvent donner un sens à une image. Par exemple, le cercle peut être utilisé pour la représentation de l’égalité et l’unité, ainsi que les idées de totalité et d’infini. Les triangles, en revanche, sont parfois utilisés pour représenter la force. C’est pourquoi les triangles sont beaucoup utilisés dans la construction.

En photographie, nous pouvons utiliser des formes pour le symbolisme, comme l’ont fait les artistes et les designers à travers les âges. Cependant, la signification des formes peut être influencée par les différences culturelles. Les étoiles à cinq et six branches auront des significations très différentes dans différentes cultures, selon la nationalité, l’origine ethnique et les croyances politiques ou religieuses. Remontez dans le temps avant les années 1920 et il y avait une forme qui avait été utilisée pendant des millénaires par les bouddhistes, les hindous, les jaïns. En sanskrit, l’ancienne langue indienne, cette forme était synonyme de bien-être. Puis il a été irrévocablement détourné par le régime le plus pervers de l’histoire de l’humanité. C’était, bien sûr, la croix gammée.

La forme fait référence à une forme tridimensionnelle. Pour représenter la forme dans une photographie, qui est bidimensionnelle, nous nous appuyons beaucoup sur la nature de la lumière et sa capacité à éclairer et à projeter des ombres. Par conséquent, nous nous référons à la lumière d’un jour gris et couvert comme étant plate, car tout dans une photo semble n’avoir aucune profondeur en raison de cet éclairage uniforme. Sous une lumière plate, la forme revient à la forme, et ainsi la séparation des sujets peut être perdue.

Sur les photos ci-dessus, on peut voir que même une petite lumière diffuse ajoute de la forme aux poteaux de la deuxième image. Le premier est tourné dans une lumière uniforme et l’image entière apparaît plus plate. Comparez cela avec la toute première photo en haut de cet article. Là, la lumière est encore plus forte et plus inclinée. Selon, les poteaux à gauche du cadre montrent plus de forme.

La clarté et l’obscurité des sujets sont au premier plan de l’esprit de la plupart des photographes. Cet élément est connu dans l’art sous le nom de valeur, mais en photographie, nous l’appelons généralement la luminosité. Nous donnons des numéros de luminosité, le noir étant de 0 et le blanc de 255. Le gris moyen est de 127. Le contraste se produit lorsque des zones de la photo ont des luminosités différentes.

Vous verrez les luminosités appliquées aux lettres RVB, qui représentent les couleurs rouge, vert et bleu.

Ainsi, la couleur est l’élément suivant. En mélangeant le rouge, le vert et le bleu dans différentes proportions et avec toutes les luminosités disponibles, nous obtenons une large gamme, ou gamme, de couleurs. 256 (rouges) x 256 (verts) x 256 (bleus) = 16 777 216 combinaisons possibles, ou teintes. Nous avons n’en ont nommé qu’un peu plus de 9 000beaucoup trop nombreux pour que je m’en souvienne, il est donc essentiel d’utiliser des chiffres précis.

Les couleurs peuvent également varier en intensité ou en saturation. Par conséquent, les réglages HSL (teinte, saturation et luminosité) sont disponibles lorsque nous développons et éditons des photos.

Comme les formes, les couleurs peuvent aussi avoir des significations symboliques, et parfois celles-ci peuvent être contradictoires.

Le rouge peut être la couleur de l’amour et de la guerre. Les lèvres rouges et les yeux rouges évoquent des sentiments très différents. Un jour en lettres rouges est très différent de la lettre que vous recevez en rouge pour une facture impayée. Nous pouvons être verts de jalousie, mais nous voulons que les entreprises aient de solides références vertes. Ensuite, les émotions évoquées par une mer et un ciel bleus ne sont pas ce que nous associerions au fait d’avoir le blues.

Passons hardiment à l’élément de l’espace. Cela se divise en deux catégories : positif et négatif.

Les photographes parlent beaucoup de l’espace négatif, c’est-à-dire de l’espace qui est autour et entre le sujet. Parfois, l’espace négatif forme une forme plus intéressante que le sujet lui-même. Par conséquent, il peut être utilisé pour remettre en question la compréhension d’une photographie et, comme les lignes de blocage que j’ai mentionnées plus tôt, peut être utilisé pour retarder la réalisation de l’objectif de l’image. Il peut également être utilisé pour juxtaposer deux idées différentes au sein d’une même photo.

L’espace positif est l’opposé de l’espace négatif et c’est là que se trouve la zone d’intérêt dans la photographie.

Ensemble, les espaces positifs et négatifs sont généralement positionnés de manière cohérente avec l’une des nombreuses règles de composition. Des critiques injustifiées visent parfois des photos avec trop d’espace négatif. Cependant, utilisé correctement, cela peut être un puissant outil de composition.

Le dernier élément artistique reconnu est la texture. Dans notre esprit, nous pouvons imaginer comment un objet se sent par sa texture. La douceur reflète la lumière uniformément, tandis que les textures rugueuses font le contraire et dispersent la lumière réfléchie. Entre ces deux se trouvent des surfaces mates.

Tous ces éléments fonctionnent souvent mieux sur les photos lorsque des contrastes s’y trouvent : clairs et foncés, couleurs complémentaires telles que l’orange et le bleu, lignes courbes et droites, formes simples et complexes, petites et grandes formes, espace positif et négatif, et rugueux et textures lisses. Ce ne sont là que quelques-uns des contrastes proposés par Johannes Itten, le célèbre tuteur de l’école du Bauhaus, dont j’ai parlé dans un article en mai dernier.

Mais qu’en est-il de l’autre élément artistique qui, je pense, a été exclu à tort de la liste. C’est le seul point. C’est la base de tous les éléments visuels, une singularité dans l’espace et, géométriquement, l’endroit où deux lignes se rencontrent. C’est quelque chose qui se trouve seul dans sa catégorie et ne peut donc pas contraster avec d’autres points comme le peuvent les lignes, les formes et les formes. Intéressant, il peut créer des contrastes avec n’importe lequel des autres éléments.

Comme d’habitude, ceci n’est qu’une brève introduction, effleurant juste la surface de ce sujet. Si vous vous interrogez sur l’utilisation de ces connaissances, intégrer les idées de ces éléments dans notre subconscient nous aidera à découvrir de nouvelles compositions. Pour y parvenir, j’encourage les étudiants en photographie à traiter chaque élément comme un sujet pour une séance photo d’entraînement. Cela vous aidera à prendre conscience de la façon dont les éléments artistiques peuvent avoir un impact sur la structure des photographies.

J’espère que vous avez trouvé cela utile, et je développerai cela davantage dans un futur article. Ce serait formidable d’entendre vos réflexions sur ce sujet ci-dessous.

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