Bridget Riley, peintre abstraite, à travers ses propres yeux

« Je suis toujours intéressée par les débuts du travail d’autres artistes », dit Bridget Riley. “La façon dont ils commencent est assez importante.”

La peintre abstraite, qui aura 91 ans en avril, est revenue à ses propres débuts pour une exposition au Yale Center for British Art à New Haven, Connecticut. – la première enquête muséale américaine en plus de 20 ans sur un artiste qui a été célébré en Grande-Bretagne comme un trésor national. (Révision sa récente rétrospective à la Hayward Gallery de Londres, le critique Adrian Searle l’a qualifiée d'”aussi omniprésente dans l’histoire de l’art britannique que Henry Moore, mais avec une meilleure raison”.)

Inévitablement pour Riley, regarder son propre début de carrière signifie revisiter le spectacle de 1965 qui était à la fois son moment d’évasion et son albatros : “L’œil sensible”, une exposition de groupe instantanément populaire au Musée d’art moderne qui est crédité d’avoir inauguré le mouvement de rétine de l’Op Art, mais blâmé pour les tendances de la mode et du design qui ont rapidement suivi.

Art critiques qui s’était enthousiasmé pour l’expressionnisme abstrait trouvait Op trop froid et clinique ; d’autres téléspectateurs ont vu le mouvement comme une sorte d’application groovy de la science. Riley et sa peinture de 1964 “Courant,” avec ses lignes ondulées en noir et blanc qui semblent vibrer dans le champ visuel du spectateur, étaient au centre de tout cela ; l’œuvre a été acquise par Philip Johnson pour le MoMA et utilisée pour promouvoir l’exposition.

Riley s’est sentie incomprise au point qu’elle a été amenée à écrire un essai expliquant ses intentions – “La perception est le médium” — dans le magazine ARTnews. “” The Responsive Eye “était une exposition sérieuse, mais ses qualités ont été obscurcies par une explosion de mercantilisme, de fanfaronnade et de sensationnalisme hystérique”, a-t-elle écrit. “La plupart des gens étaient tellement occupés à prendre parti et à se disputer sur ce qui s’était passé ou non, qu’ils ne pouvaient plus voir ce qui était réellement sur le mur.”

Le spectacle de Yale, « Bridget Riley : abstraction perceptive », peut être considéré comme un autre correctif à ces malentendus. Son titre fait référence à une discussion que Riley a eue avec le conservateur de “The Responsive Eye”, William C. Seitz, alors qu’il visitait son studio de Londres avant l’exposition. Ils ont parlé de la perception dans l’histoire de l’art, remontant jusqu’à Piero della Francesca. (Riley avait une image de lui “Madonna del Parto» épinglé au mur de son atelier, ainsi qu’une reproduction de Georges Seurat « Un dimanche après-midi sur l’île de la Grande Jatte. »)

“Seitz a eu une très très bonne idée qui aurait évité énormément d’agonie”, se souvient Riley lors d’une conversation téléphonique depuis Londres, où elle est basée. “Il voulait montrer la perception dans la peinture figurative et la perception dans la peinture abstraite.” Quelque part dans le processus de création de “The Responsive Eye”, cet arrière-plan historique de l’art essentiel aux machinations optiques des œuvres d’art contemporaines a été perdu. “Je n’ai pas eu la chance avec ‘The Responsive Eye’ de montrer mes débuts, pour ainsi dire.”

La directrice du Yale Center, Courtney J. Martin, qui a organisé l’exposition et invité Riley à sélectionner l’ensemble des œuvres, a encouragé l’artiste à réévaluer sa carrière depuis le début et à créer un nouveau contexte pour ses premiers travaux. “Il y a clairement un espace entre ce que” The Responsive Eye “était immédiatement, ce qu’il est devenu de l’art historiquement et où elle a vu cette idée de perception aller”, a déclaré Martin.

Couvrant deux étages du Yale Center, le nouveau spectacle montre clairement que le premier travail d’Op en noir et blanc auquel Riley est encore fortement associé – en particulier aux États-Unis – était vraiment un point de départ pour un engagement profond et historiquement ancré. avec la couleur. Sa progression d’une palette à l’autre a été assez délibérée et, dans le récit de Riley, retrace les étapes de sa formation rigoureuse à l’école d’art. «Là où vous aviez autrefois un personnage debout sur une feuille de papier blanche, vous êtes obligé dans les études tonales d’inclure l’environnement, la scène visuelle entière. Cela vous aide énormément à vous rapporter à la couleur », a-t-elle déclaré. “Faire des peintures abstraites, j’ai dû passer par les mêmes étapes.”

Dans les œuvres de sa période grise de transition, comme “Refuser 1” (1966), des ovales flottants disposés en quadrillage semblent scintiller et s’éloigner lorsque l’œil tente de réconcilier les gris chauds et froids. “Cette profonde exploration du noir et blanc cède la place à la tonalité du gris – des années où elle ne fait que jouer avec le gris. Et puis la couleur émerge », a déclaré Martin. “Mais la couleur n’émerge que lorsqu’elle a épuisé les possibilités avec le gris.”

Quand la couleur émerge enfin, de nouvelles formes l’accompagnent. Le deuxième étage de l’exposition s’ouvre sur des œuvres d’un autre premier album impressionnant, quelques années seulement après “The Responsive Eye” : la représentation de la Grande-Bretagne par Riley au Biennale de Venise 1968, où elle a reçu le prix international de peinture pour ses arrangements tendus et vibrants de rayures colorées. Elle a été la première femme à recevoir cette distinction.

La simplicité des rayures lui a permis de se concentrer intensément sur les relations de couleur – testant les théories des couleurs complémentaires contre la pratique, comme dans “Chant 1” et «Chant 2», où elle a appris que «la théorie ne sert à rien, car le turquoise devrait être le contraire du rouge. … Mais quand j’ai mélangé du rouge pour ‘Chant 1’, le turquoise ne pouvait en aucun cas résister au rouge. Alors je l’ai mis de côté et j’ai choisi un bleu soutenu. Plus tard, elle a appliqué une discipline similaire aux motifs de barres obliques et d’arabesques – des formes qui rappellent les diagonales de Seurat et les découpes de Matisse. Seurat est sa vedette, l’artiste dont la clarté du but et les études de la sensation optique ont éclairé presque tout ce qu’elle fait. Dans son travail, dit-elle avec approbation, “il n’y a jamais rien de décontracté”.

Dans la conversation et dans ses écrits prolifiques (dont un essai réflexion sur “The Responsive Eye” pour l’exposition catalogue numérique), Riley parcourt librement l’histoire de la peinture occidentale, faisant des observations astucieuses d’artiste à artiste. Souvent, son analyse est multicouche : vous pouvez la sentir regarder quelqu’un qui, à son tour, traite le travail d’un prédécesseur. Répondant à une question sur son utilisation de la couleur, elle s’égare dans une anecdote sur Seurat et Monet : « Lorsqu’on a demandé à Seurat ce qu’il pensait de Monet, il a dit un mot : « Intuition ». Je pense qu’il avait tout à fait raison et c’était la grande force de Monet.

Dans l’exposition à Yale, il y a un exemple physique de l’un de ces apartés historiques de l’art : une paire de petites œuvres de John Constable et Eugène Delacroix, choisies par Riley dans la collection de Yale. Le Constable est une huile esquisser pour son célèbre paysage du Suffolk “Le Foin Wain,” les Delacroix un aquarelle d’un chemin de montagne dans les Pyrénées. Ni l’un ni l’autre ne semble avoir grand-chose à voir avec l’art de Riley, mais ensemble, ils racontent l’histoire d’un artiste qui façonne l’approche globale d’un autre envers la nature et la couleur. Delacroix n’a jamais rencontré Constable, mais il a vu « The Hay Wain » au Salon de Paris de 1824 et en a été changé : L’aquarelle que Riley a décidée date d’après cette rencontre et apparaît, elle écrit“comme un verre d’eau fraîche après le vin capiteux du mouvement romantique.”

Comme les dates sur certaines de ses peintures l’impliquent, Riley travaille à travers des conversations non seulement avec d’autres artistes mais aussi avec elle-même – revenant à une toile des années, parfois des décennies, plus tard, comme elle l’a fait avec “Vapeur 3” (2009/1970) et ‘Peinture lilas 5(2008/1993). « C’est très important d’établir un dialogue avec son propre travail », dit-elle. « Ma vue, ma compréhension changent tout le temps. Il n’y a pas deux jours qui se ressemblent. Je pense que tous les peintres ont vécu cela – vous pouvez regarder quelque chose comme si vous ne l’aviez jamais vu auparavant.

Bridget Riley : abstraction perceptive

Jusqu’au 24 juillet au Yale Center for British Art, 1080 Chapel Street, New Haven, Conn.; 877-274 8278, britishart.yale.edu.

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