Les rêveurs démobilisés ramènent le zing – Revue moderne d’après-guerre | Art et désign

S60 ans après l’avoir peint, vous pouvez toujours sentir l’odeur de la peinture à l’huile bon marché et de l’huile de lin qui se détachent Willesden Junction de Leon Kossoff en 1962, Tôt le matin. Avec sa mer gluante et ahurissante de peinture froissée, la ville de Kossoff est couleur de boue sous un ciel crasseux, la vue s’éloigne, un bloc vacillant à l’horizon de la tour. Tout ce qu’il faut, c’est l’odeur de la suie qui recouvre les bâtiments, les odeurs de fumée de tabac, de papier journal humide, de gaz de houille et de smog jaune sulfureux pour nous ramener à la Grande-Bretagne d’après-guerre, une période qui ne semble pas s’être terminée avant un certain temps. les années 1970, si jamais elle l’a fait entièrement.

Jeunes hommes en colère, existentialistes de fauteuil et jeunes sculpteurs masculins en gros pulls, rêveurs démobilisés et objets de conscience, artistes venus des colonies ou ayant échappé à la Shoah et aux ruines de l’Europe, ont rendu le monde de l’art britannique de l’après-guerre beaucoup plus cosmopolite, et, progressivement, moins lié à la classe qu’il ne l’était auparavant. Mais nous continuons à être ramenés en arrière.

Un des Guillaume TurnbullLes bas-reliefs de , appelés Playgound, montrent en forme de stèle se forme sur une dalle basse. Ce sont peut-être des chiffres. L’influence de Giacometti est évidente. D’autres reliefs, vus de dessus, sont parsemés d’édifices ou de ruines. Turnbull avait été pilote de la RAF et il est difficile de ne pas penser aux vols de reconnaissance et aux dégâts causés par les bombes. Ils sont ici juxtaposés avec Bert Hardydes photographies de mères et d’enfants assis et jouant sur un vaste site de bombardement du centre-ville d’Edgbaston, Birmingham, au début des années 1950. Le soleil brille et il vaut probablement mieux être dehors que dans le bidonville industriel du XIXe siècle où ils vivent.

Une affreuse tendresse… Eva Frankfurther, West Indian Waitresses, vers 1955. Photographie : © The Estate of Eva Frankfurter, photographie de Justin Piperger, avec l’aimable autorisation du Barbican Center

Roger MayneLes photographies d’enfants d’un immeuble bombardé à Bermondsey, regardant à travers les espaces vides où se trouvaient autrefois les fenêtres, poursuivent le thème. Shirley Bakerles photographies de femmes de la classe ouvrière à Manchester pendant le nettoyage des bidonvilles au milieu des années 60, et Eva FrancfortLes peintures de mères épuisées, d’ouvrières et de serveuses antillaises sont d’une affreuse tendresse.

Moderne d’après-guerre : nouvel art en Grande-Bretagne Au Barbican cela nous emmène de 1945 à 1965, et il faut dire d’emblée que la tâche est impossible. C’est OK sur le papier – et dans l’excellent catalogue de l’exposition – mais les limites de la galerie du Barbican ne permettent pas à l’exposition de se réaliser pleinement. C’est un spectacle fascinant, et susceptible, pour ceux qui n’ont pas vécu l’époque, d’être rempli de surprises. J’ai grandi avec tout ça, et je le trouvais toujours fascinant.

Près du départ, Point complet de John Latham en 1961 – un cercle noir, peint à la bombe sur une toile blanche, apparaît à la fois comme une fin et un début. Pffftt, ça va, nageant sur la toile comme un trou noir, avalant tout. Il rend la soudure angulaire de Lynn Chadwick Le mangeur de poissonsavec un mobile Alexander Calder-ish suspendu, et réalisé pour le Festival of Britain de 1951, a l’air à la fois fantaisiste et complètement démodé dans sa tentative douloureuse d’être moderne.

Une grande partie de l’art britannique de l’époque rattrape son retard, de Elisabeth Frinkavec la sculptrice française Germaine Richier pour Alan Davieles peintures influencées par Jackson Pollock, et Gillian AyresLes tentatives de peindre à l’échelle et avec le relâchement d’Helen Frankenthaler. Ayres me porte invariablement. patrick hérosLes piles de couleurs à bandes de Rothko, dans une peinture de 1957, semblent beaucoup plus suaves et avec elles, d’une manière consciente. Mais c’est aussi la faiblesse de Heron, celle qu’il partage avec les natures mortes abstraites sur tablette de Guillaume Scottavec leurs sujets sexuels furtifs, et l’austérité protestante de ses casseroles et poêles.

De formidables portraits de son amant… La peinture de Sylvia Sleigh de Lawrence Alloway en mariée travestie de la Renaissance.
De formidables portraits de son amant… La peinture de Sylvia Sleigh de Lawrence Alloway en mariée travestie de la Renaissance. Photographie : © Tate

Postwar Modern poursuit en nous emmenant de la géométrie de la peur (beaucoup de griffes féroces et de corps endommagés) à l’évier de la cuisine. John Braby a peint sa femme Jean, nue à la table du petit-déjeuner, encombrée par les paquets de Corn Flakes et de Shredded Wheat, les burettes et les bols. Difficile de savoir lire son expression. Bratby sait-il qu’il a capturé un regard à la fois de peur intimidée et d’aversion sur son visage ? Il s’en fichait probablement. Bratby était un pneu domestique. Un bien meilleur peintre, Jean Cook enregistre son propre malheur et un œil au beurre noir sur ses propres toiles.

Comme antidote, c’est un soulagement de trouver Sylvia Traîneaules formidables portraits de son amant, le jeune critique Laurent Alloway. En 1949, Sleigh peint son futur mari travesti en mariée de la Renaissance et en épouse plus moderne dans une robe à motifs, tenant un pétunia. Les deux costumes ont été cousus pour lui, ou pour son alter ego Hetty Remington, par Sleigh. Le catalogue de l’émission regorge de ces détails humains. Sleigh a continué à peindre d’autres sujets masculins sous des formes féminines. Le portrait de Lucian Freud de sa femme Caroline Blackwood, qui allait bientôt se séparer, avec qui il s’était enfui à Paris en 1954, montre Freud planant près du lit.

L’Imperial Hotel à Henley-on-Thames était le cadre improbable des rendez-vous entre Francis Bacon et son ancien amant pilote de chasse Peter Lacy, et où Bacon a peint une série de portraits d’un homme seul en costume dans un bar sombre en 1954. est théâtralement sombre et en quelque sorte menaçant, et un intérieur plus moderne et élégant que l’Impérial, avec son extérieur simulacre de tudor, probablement fourni. A proximité, David Hockney se rend à New York en 1961, où une enseigne peinte indique QUEENS UPTOWN, et il se peint en petit diable rouge à lèvres.

En 1959, Alloway a écrit sur «l’anti-modernisme qui n’est jamais loin de la surface du monde de l’art londonien», appelant les critiques britanniques et «satisfait dans le brouillard». Il a déménagé aux États-Unis avec Sleigh, la même année que la première visite de Hockney, où Sleigh est devenu une figure de proue du mouvement artistique féministe.

Comme des éventrations exubérantes... Magda Cordell, Figure 59, c 1958.
Comme des éventrations exubérantes… Magda Cordell, Figure 59, c 1958. Photographie : © Estate of Magda Cordell McHale, photographie : Brenda Bieger pour Albright-Knox Gallery, Buffalo, New York

Au cours des années 1950, Alloway avait également été un membre clé du groupe indépendant, qui comprenait des architectes brutalistes Alison et Peter Smithsonthéoricien de l’architecture Reyner BanhamTurnbull, Paolozzi, Richard Hamilton, John Mc Hale et sa femme hongroise Magda Cordeldont les toiles grand format sont l’une des grandes surprises de cette exposition, tout comme celles des Polonais d’origine Franciszka Themerson. Les peintures de Themerson sont délicates, violentes et drôles. Dans l’un, un homme porte un petit boulet et une chaîne et ses entrailles sont en désordre. Les grandes peintures de Cordell sont comme des éviscérations et des éviscérations exubérantes et suintantes, dans des couleurs magnifiques.

Les figures colossales d’Eduardo Paolozzi se tiennent debout, avec leurs têtes carrées et leurs formes en relief, mi-humaines, mi-cyborgs. Avec le temps, les visions du futur nous rappellent autant la période dont elles sont issues que l’avenir qu’elles prédisent. Cela peut rendre ces objets et ces images ridicules ou tragiques. Les personnages de Paolozzi m’apparaissent comme des ruines. La maison futuriste du futur des Smithson, construite pour l’exposition Ideal Home de 1956 du Daily Mail à Olympia, avec ses chaises baquets en plastique moulé et d’autres meubles et accessoires aérodynamiques aux bords souples, pourrait presque être un pastiche d’elle-même, à la fois futuriste et rétro. , sachant et innocent. Les Smithson avaient même des modèles vivants là-dedans, agissant de manière moderne.

Les lignes calmes et épurées et le constructivisme rationnel de Mary et Kenneth Martin, Anthony Hill et Victor Pasmore pourraient également être considérés comme une évasion de tout le désordre ailleurs, mais j’ai toujours trouvé tout ce volet de l’art britannique trop sérieux et bon pour soin, un peu trop sectaire et supérieur pour son propre bien. Il convient également de rappeler à quel point la scène artistique britannique était, et a continué à être, malsainement cliquaire, fractionnée et divisée en générations, jusque dans les années 1980, bien plus qu’elle ne me semble l’être aujourd’hui. Mais au moins, cela semblait être une question d’idées, était argumentatif et fougueux. Une partie semble avoir été perdue.

  • Postwar Modern: New Art in Britain 1945-1965 est au Barbacane, Londresjusqu’au 26 juin.

Leave a Comment